Piel de gallina (CINE)

Kanchelskis

The Sonics cantaban “Have love, will travel”, y a similar conclusión deber haber llegado Nacho Vigalondo. Deja ir tu pasión obsesiva por el cine a la hora de desarrollar y plasmar fílmicamente una historia, y con poco conseguirás crear una obra ingeniosa y rocambolesca sobre saltos en el tiempo (“Los cronocrímenes”(2007)) y otra sobre una invasión alienígena, e ir así recogiendo premios, menciones, y reacciones positivas de festival en festival.

Como al realizador cántabro le gustan los directores que se expresan visualmente, en “Extraterrestre” hay dos escenas que describen a la perfección esta película: en una se ve parte de una nave espacial gigante por televisión (reproducida por una videocámara con la que lo graban), y la otra parte dibujada a mano en un folio colocado junto al televisor, en el que, además, se ha dibujado una especie de absurda taza-coche; en la otra, el protagonista deja de grabar la nave espacial con la vídeocámara para enfocar al personaje de Michelle Jenner mientras duerme. Así pues, recursos narrativos, imaginación, y un uso inteligente e intrigante del fuera de campo para desarrollar la vertiente ‘fantástica’ del film, que, por otro lado, no es más que un 'mcguffin' para el verdadero y mucho más terrenal objetivo central del argumento, que, creo, es mejor no desvelar (aunque lo hayan hecho todos ya), y que tampoco es el punto fuerte de la cinta, que se enriquece del total de sus humildes virtudes.

Y es que Vigalondo logra despegar su historia del mero ejercicio de habilidad gracias a momentos concretos en los que acierta con golpes de guión (básicamente, los que involucran al personaje de Carlos Areces, ya que la subtrama de la emisión pirata televisiva es bastante floja), extrae hallazgos visuales de la cotidianidad (la luz solar colándose en la habitación, que se confunde con un halo abductivo -ufológicamente hablando-), y demuestra capacidad para tensar el suspense (con el tarro de melocotones en el coche).

Recurriendo nuevamente a escenas de la película para ejemplificar su gran virtud general, hay un diálogo, tras el momento más emotivo del film, en el que le preguntan al protagonista: “¿y lo dijiste de un tirón, sin ningún papel que ir leyendo?”, a lo que él responde: “sí…tampoco es tan difícil”. Pues lo que decía de los Sonics…

Kanchelskis

Como se hacía mucho más antaño (y quizá porque Alain Resnais cumplirá 90 años el próximo 3 de junio, y, por lo tanto, empezó siendo un cineasta ‘de antaño’), “Las malas hierbas” muestra el por qué de su título en sus secuencias iniciales, mientras salen los créditos, en las que se visualizan, efectivamente, ‘malas hierbas’ emergiendo entre el asfalto, como si, a pesar de su fragilidad, su sola voluntad fuera capaz de agrietar el duro pavimento.

En el caso de los dos protagonistas del film (fantástico André Dusollier, y no le va muy a la zaga Sabine Azéma), dichos hierbajos toman forma de intruso (el uno para el otro) misterioso y desconocido que aparece en sus respectivas vidas y recias rutinas, y de cómo el deseo innato de descubrir lo desconocido, aunque se intuya una decisión fatal, acaba ‘brotando’ entre la pragmática razón.

Nada nuevo bajo el sol en esta premisa, pero ahí entra en juego la visión y el ingenio del realizador, que, en el caso del aquí implicado nonagenario director francés, queda patente en la fluideza narrativa de la cinta, ligera sin ser superficial, así como en la magistral precisión -y el sentido- de los planos más ambiciosos por menos estáticos (como en la reunión en casa del personaje de Dusollier, o en el café de delante del cine), la juguetona ambigüedad de ciertos momentos de fabulación (la, a priori -luego se revela la doble lectura-, idealista representación mental que hace el personaje de Dusollier sobre el de Azéma, al que aún no ha visto físicamente, vestida de aviador -él es un apasionado de la aviación-), y las sabias dosis de humor que impregnan tanto los hechos como los diálogos (siendo los momentos álgidos aquellos en que hace uso de la sintonía de la 20th Century Fox).

Y, sin embargo, el film languidece por falta de cohesión, por dar la sensación de que todos estos recursos cinematográficos sostienen con pinzas el interés por la historia, un material de base (la novela “L’incident”, de Christian Gailly) demasiado pobre en imaginación, que da como resultado una lucha desigual de fuerzas y virtudes entre contenido y continente.

De todas maneras, y en líneas generales, película interesante de un admirable Resnais que, junto a otros veteranos como Rivette, Godard, o el que los enterrará todos, Manoel de Oliveira (103 años), tienen aún un espíritu suficientemente iniquieto y curioso para realizar algunos de los films más vivos e imprevisibles de estos últimos años (“El último verano”; “Film socialisme” “El extraño caso de Angélica”,…). Senectud, divino tesoro.

Stereo

pues parece que al fin se estrena esa joyita (ya era hora), que es es Tucker & Dale vs Evil, esta si que tremendamente gamberra, divertida e inteligente, no como otra que se acaba de estrenar y que, a pesar de venir precedida de elogios y buenas criticas, es una chusta de proporciones considerables, una tomadura de pelo en toda regla

Disperso

Quizás te estés refiriendo a Take shelter. A mí sí me ha gustado. Confiaba en que lo haría más, eso sí. el film parece querer ahondar metafóricamente en algo que no me acaba de llegar suficiente. Aún y así, me parece una interesantísima propuesta y escenificación que, como digo, se pierde un poco en esa especie de crítica sintética de la comunidad en tanto que grupo social.

Alpeis es la película post "Canino" del griego Lanthimos. Si en la anterior el absurdo le sirve de plataforma para, de alguna manera, hacer un análisis (¿crítico?) del control social y la educación, en ésta presenta una trama que nos dispone la relación entre el ser humano y la muerte. Lanthimos no juega a profundizar en sus personajes, no sería la empatía hacia ellos una cosa a tener en cuenta. Si en "Canino" el absurdo se sucedía con total naturalidad digno, por qué no, de una película de Buñuel, en ésta las escenas aparecen forzadas. Sólo llegando a cotas plausibles de ingenio en lo que a escenas de "despedida" se refiere. La cinta es un compendio de buenas ideas y de otras exasperantes que acaban conformando una comedia negra muy irregular. Aunque, ojo, no descartéis soltar más de una carcajada. Al final es eso, "Alpeis" no sabe muy bien a qué juega, pierde el ritmo constantemente y se pierde en una especie de necesidad del autor por meter con calzador ciertos diálogos e incluso personajes.

Stereo

@Disperso:1cn2csuc:

Quizás te estés refiriendo a Take shelter.

que va.. me refería a la que este "ilustre" personaje, entre otros muchos, calificaba como lo mejor del cine español en los últimos tiempos

http://twitter.com/#!/jaumefigueras/statuses/182251067420053506

rick

@Stereo:3mdfvyuw:

que va.. me refería a la que este "ilustre" personaje, entre otros muchos, calificaba como lo mejor del cine español en los últimos tiempos
http://twitter.com/#!/jaumefigueras/statuses/182251067420053506

¡Calla, calla! Hay que mantener el chiringuito como sea.

:twisted:

30segundossobreTokyo

Pues yo no sé si esto será lo mejor del cine español de los últimos tiempos, pero a mí me ha convencido y mucho, a pesar del pollo pera. Incluso diría que más que la de Urbizu. Es como The Shield, pero a lo sevillano.

Excelente ritmo, una cuidada ambientación y unos actores en su salsa.

Y decir que “INTOCABLE” me ha producido vergüenza ajena. Mi mujer, con buen criterio, la llama “PRETTY BLACK”.

Edit: esto puede ser la bomba…..http://www.youtube.com/watch?v=bzZse4RUUMg

¡que de risas en el cine cuando vimos el avance!

Disperso

Talleres

Otra road movie europea. Buenas risas me he echado.

Kanchelskis

@30segundossobreTokyo:3vbpdozx:

Edit: esto puede ser la bomba…..http://www.youtube.com/watch?v=bzZse4RUUMg

¡que de risas en el cine cuando vimos el avance!

"Pelayos Eleven"?

Kanchelskis

Para aquellos que no podemos con las ‘películas de epoca’, la aparición de “Bright Star”(2009), cinta de Jane Campion, supuso un necesario chorrazo de aire fresco formal tanto para el género como para los reticentes a él. La luz natural y el planteamiento menos estático de los planos evitaba el exceso de encorsetamiento que emana de la filmación conservadora de unos tiempos ya de por si muy delimitados en actitudes y relaciones, así como la mayor fluidez de los diálogos (sin tener que recurrir al vocabulario de nuestros días) superaba la artificialidad de una dinámica narrativa como de ‘teatro filmado’.

Esta nueva adaptación de “Cumbres borrascosas”, dirigida por Andrea Arnold, va más allá que el film de Campion. Para bien, porque la supera en la plasmación epidérmica, física, silvestre de la historia, sabiendo, no obstante, cuándo recurrir con sentido y sensibilidad a grandes frases literalmente extraídas del libro (“No puedo olvidarte sin olvidarme a mi mismo”, o el punto y aparte como simulacro de normalidad), en una simbiosis fílmica con el material de base verdaderamente lograda. Para mal, porque abusa de la ‘cámara al hombro’ (y, si en territorio urbano ya hay que tener cuidado con el mareo que puede producir, en zona campestre hay serio riesgo de acabar tirado en el suelo del cine), y su atención por los detalles (fantástico, por otro lado, el de la ventana abierta y la corriente de aire como símbolo de locura) resulta, en muchas ocasiones, más aplicada que intuitiva (por ejemplo, y las conclusiones os las dejo para vosotros, la escena en que cierto personaje regresa a casa, seguida del plano de una frágil tela de araña, y del fósil de un animal).

La película, no obstante, emite un constante y emotivo latido cinematográfico gracias a que gran parte de ella se centra en el origen del amor entre los protagonistas, reconociendo en el ímpetu juvenil de éste el contexto ideal en el que alimentar reflexiones de forma sutil (la educación puede no ser sino aprender a justificar de forma perversa nuestros prejuicios), captar la confusión y explosividad de su dificultada -por otros, pero también por ellos- relación y el ambiente de esa cumbre borrascosa física y mental en la que Heathcliff (que lleva el peso de la narración, gira a su alrededor) parece tirarse al raso para descansar entre sus dulces recuerdos, y convertir todas estas experiencias en ecos (esa rama/sentimiento golpeando incesantemente en la ventana; la reacción salvaje, animal, de la ‘pareja’ hacia sus heridas mútuas) que acompañan el salto temporal del romance (cuyo ‘túnel del tiempo’ está bellamente representado en la oscuridad nocturna), en un tramo terminal que, a pesar de su desarrollo argumental, aún se vuelve más contenido, contemplativo, casi silente.

Haciendo un símil con la música de la época, “Cumbres borrascosas” no sería una sonata o una sinfonía grandilocuente, sino una canción de trovador sencilla, desnuda, con la emoción reducida y concentrada en su esencia, como la que acompaña los créditos finales de este nuevo triunfo en la filmografía de la directora inglesa.

Marniello

@Waldo:

Ya, por eso lo digo, me parece una filosofía no demasiado apropiada para el concepto "Festival". Entiendo que no hay posibilidad de montar un festi competitivo en cuanto a traer las novedades del cine de autor por encima de los festis gordos, obviamente, pero me parece que se hacen un flaco favor trayendo cosas de la temporada anterior… es una realidad que la mayoría de la gente interesada en ese cine ya habrá visto esas películas (la misma Attenberg que comentas ya tiene dos años, se pasó este sábado en mi ciudad y los poquísimos interesados ya la habíamos visto). Está muy bien intentar atraer a más gente a distintos tipos de cine y todas esas cosas, pero no puedes obviar al verdadero público objetivo, que deberían ser la base fiel de un festival. Además, en una ciudad del tamaño y la oferta de Barcelona, me parece que no es la mejor filosofía que podrían adoptar.

A ver, al hilo de esto, ya sea para que conteste Waldo o quién sea: ya está el cartel más o menos completo y me iría bien unos consejos de qué hay que ver.
Me hacen tilín, por sus autores o por referencias más o menos de fiar la de Mia Hansen-Love, Walk Away Renee (Caouette), The Deep Blue Sea (Terence Davies), L'Apollonide (Bonello) y, en menor medida de la de Anatolia (Ceylan). ¿Opiniones? ¿Alguna de estas es prescindible? ¿Me dejo alguna esencial?
Gracias

Kanchelskis

@Marniello:qrxe2szn:

@Waldo:

Ya, por eso lo digo, me parece una filosofía no demasiado apropiada para el concepto "Festival". Entiendo que no hay posibilidad de montar un festi competitivo en cuanto a traer las novedades del cine de autor por encima de los festis gordos, obviamente, pero me parece que se hacen un flaco favor trayendo cosas de la temporada anterior… es una realidad que la mayoría de la gente interesada en ese cine ya habrá visto esas películas (la misma Attenberg que comentas ya tiene dos años, se pasó este sábado en mi ciudad y los poquísimos interesados ya la habíamos visto). Está muy bien intentar atraer a más gente a distintos tipos de cine y todas esas cosas, pero no puedes obviar al verdadero público objetivo, que deberían ser la base fiel de un festival. Además, en una ciudad del tamaño y la oferta de Barcelona, me parece que no es la mejor filosofía que podrían adoptar.

A ver, al hilo de esto, ya sea para que conteste Waldo o quién sea: ya está el cartel más o menos completo y me iría bien unos consejos de qué hay que ver.
Me hacen tilín, por sus autores o por referencias más o menos de fiar la de Mia Hansen-Love, Walk Away Renee (Caouette), The Deep Blue Sea (Terence Davies), L'Apollonide (Bonello) y, en menor medida de la de Anatolia (Ceylan). ¿Opiniones? ¿Alguna de estas es prescindible? ¿Me dejo alguna esencial?
Gracias

bueno, supongo que ya lo tendrás en mente, pero añadiría lo que te quede por ver de la filmografía de Claire Denis, y, si te han gustado las pelis anteriores de Albert Serra, la de "El senyor ha fet en mí meravelles" (aunque supongo que se la estrenarán comercialmente, ni que sea en ese reducto para el cine catalán que parecen ser los Alexandra)

edit: la de Hansen-Love, por cierto, la tiene Paco Poch en cartera para estrenarla en salas.

edit 2: veo que la retrospectiva de Denis se alarga a la semana posterior del festival, triunfada

Marniello

Sí, gracias, con pillar algo de Claire Denis también cuento. De hecho solo he visto "35 rhums" y "Nenette et Boni". ¿Alguna imprescindible?
La de Albert Serra me la guardo para verla en salas comerciales, por eso de apoyar este tipo de estrenos.

Kanchelskis

@Marniello:3mhjyi39:

Sí, gracias, con pillar algo de Claire Denis también cuento. De hecho solo he visto "35 rhums" y "Nenette et Boni". ¿Alguna imprescindible?

"Una mujer en África" (que, por cierto, estrenaron en salas el año pasado, así que igual la encuentras en DVD en alguna biblio) y "Beau travail". ""L'Intrus" y "Chocolat", muy recomendables. "Vendredi soir" está bien. Las otras, a parte de "35 Rhums", no las he visto.

Pekh

Ya que casi la mencionáis, siempre es buen momento para acordarse de ella

Kanchelskis

Has visto "Shopgirl", Pekh? buen trabajo de la Danes (que no la Adánez)

volviendo al D'A, me sonaba que también pasaban el último film de Werner Herzog, y efectivamente: http://www.cinemadautor.cat/es/movies/into-the-abyss/ . Apunte, Marniello.

Disperso

Yo intentaré ir a ver la nueva de Herzog, claro.

Edito: Pues eso.

Marniello

La tengo en el banquillo, por eso de ser un documental, tener pinta de no precisar tanto la pantalla de cine y porqué Herzog es un poco pesado, para qué negarlo.

Kanchelskis

@Disperso:22evngx8:

Quizás te estés refiriendo a Take shelter. A mí sí me ha gustado. Confiaba en que lo haría más, eso sí. el film parece querer ahondar metafóricamente en algo que no me acaba de llegar suficiente. Aún y así, me parece una interesantísima propuesta y escenificación que, como digo, se pierde un poco en esa especie de crítica sintética de la comunidad en tanto que grupo social.

retomando este tema:

Está comprobado que, si eres el personaje de una película y alguien te dice “tienes una vida perfecta”, has de enviarlo a paseo inmediatamente, tras insultarle con el exabrupto que más le duela, porque te acaba de echar mal de ojo (o ‘mal de cliché’, dicho de forma más apropiada). “Take shelter”, dirigida por Jeff Nichols, no es una excepción, pero sí es más y mejor que la media.

Porque su trama paranoide no es especialmente original, pero sí lo es su desarrollo narrativo, cambiando el habitual ‘yo, que conozco la verdad, contra el mundo, que no se lo cree por lo alucinante que es’ por el camino lógico de la realidad (por lo menos hasta que abraza de forma decidida una ambigüedad, hasta entonces, más fantasiosa que palpable), cuyo interés se mantiene en pie durante las dos horas de duración de la película porque, esencialmente, estamos ante un buen drama, sólidamente escrito y con una sabia dosificación de los detalles (como cierto personaje femenino) que le dan dimensión a la historia.

Así, la cinta de Nichols atrapa por confiar en el factor humano, por ir de frente con sus recursos fílmicos (el uso de de los sueños y las alucinaciones, no como truco fácil para darle tensión al film, sino como hecho argumental que muestras sus cartas desde buen principio), por los ecos (crisis económica, déficit cualitativo sanitario) que resuenan en algunas de sus imágenes, por animarse a jugar con los elementos visuales (ese edificio con el rótulo ‘sparkle’ -destello, chispa- que cruza en camioneta el protagonista, cuando está empiezando a ‘prender’ la ‘luminosa’ ¿enfermedad?) y los simbolismos (la íntima conexión invertida entre la incapacidad comunicativa de Curtis por orgullo y vergüenza moral -y la desconfianza generada por su propia ¿enfermedad?-, y las limitaciones físicas de su hija sordomuda), y, sobretodo, por otorgar el personaje principal a un inmenso, asustado, emotivo Michael Shannon, tanto en el palpitar contenido como en el explosivo (en el bar/local del pueblo) de su creciente angustia.

Sin embargo, y coincidiendo con la amplitud de miras de esta sencilla y disfrutable película, un dedo infantil que dibuja círculos en el aire, y el reflejo de un cristal nos recuerdan, amigos/as, que esto sigue siendo cine.