Piel de gallina

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A finales de los 70, cuando surgió y explosionó el fenómeno punk, miles de jóvenes a un lado y al otro del Atlántico vieron en esta forma d expresión musical una forma de dar rienda suelta a sus más íntimos deseos. Tenían muchas cosas para decir y no importaba si sabias o no tocar el instrumento que te colgaba del brazo. La actitud era lo realmente importante. Actitud es una palabra de difícil comprensión y, en los tiempos que corren, algo que se ha dejado de lado en pos de otros conceptos más ligados a la mercadotecnia. Todos quieren tener ahora, en un tiempo corto, una buena casita con piscina en una zona residencial exclusiva en Malibú o en LA.

Johnny Thunders tenía toneladas de actitud, le salían por los poros de la piel y por las orejas esa actitud suya le hizo ser un maldito tanto en su época como lo seria ahora sin ningún tipo de dudas. Thunders era, personalmente hablando, el prototipo del perdedor nato. Lo sabia y, realmente, no le importaba un carajo serlo o dejar de serlo. Cuando sus discos empezaron a ser un poco más conocidos y podía permitirse alguna gira internacional, su forma de ver la vida y el rock seguía siendo la misma: fuera de lo establecido, fuera de modas o conceptos estilísticos que iban surgiendo día tras día. Lo suyo siempre fue lo mismo: rock & roll con un pie en los Stones más guarros y el r&b y otro en pleno matrimonio con la heroína. ¿Qué hubieran sido los Heartbreakers sin ese derivado del opio? Eso es muy difícil de decir. Quizás Thunders, Lure, Rath y Nolan sean de los últimos exponentes de una generación que necesitaba de las drogas duras para mantenerse con un mínimo de coherencia porque sabían que, fuera de las drogas, su mundo no tenía absolutamente nada que ver con el otro.

Todo esto esta perfectamente reflejado en dos claros ejemplos que saltan enseguida al oyente cuando tiene el disco en sus manos y pone el disco en su lector sonoro:

1 - la portada es realmente golpeadora. En ella vemos a 4 tipos que, envueltos en un escenario callejero a más no poder, no dudan en dejar plasmar por la cámara fotográfica sus adicciones reflejadas en sus rostros y semblantes delgados hasta la anorexia. Nos avisan que estamos ante un grupo de vive al borde, que no le importa lo que pienses de ellos y que lo que te ofrecen con su música es un reflejo de sus vidas. Lo tomas o lo dejas, pero es lo que hay, tú decides.

2 – la primera canción del disco es, además de todo un clásico para los que vivimos esos años, todo un resumen del Johnny Thunders way of life. Born To Loose es, en texto y notas, una puesta en blanco de lo anteriormente dicho, salvo que en vez de ser con mis entupidas y vacías palabras, son con las palabras del mismo Thunders. Él sabe mucho mejor que yo plasmar su idiosincrasia personal y lo hace con una canción que, repito, fue y es todo un himno generacional. Ojala todos los discos empezasen con una canción así, con la canción definitiva que eleva a un disco a la categoría de gigante en solo 3 minutos.

Vi. en acción a Thunders un par de veces en mi vida en Barcelona. La sensación que siempre tuve cuando lo vi muy cerca de mi es que siempre nos trataba con una cierta distancia. Lo que hacia encima del escenario era ganarse un dinero para mantenerse en este mundo vía heroína. Nos veía desde una distancia lejana, éramos como unos nenes que van a ver algo especial. El cabrón lo sabía y permitía que esto sucediera. Pero es que, a pesar de todo esto, a Thunders el rock le ponía mucho. Tampoco nos importaba mucho a nosotros ver una figura casi escuálida que, en algunas ocasiones deambulaba o estaba a punto de caer al suelo; sabíamos que cuando recuperaba la conciencia y se ponía a tocar la guitarra, esa guitarra nos rajaría a todos en un plis plas. Sabíamos que cuando se acercaría al micrófono y se pusiera a cantar, aunque fuera durante dos minutos, esos dos minutos serían el real reflejo de algo que nosotros intuíamos que existía pero que Thunders nos confirmaba de pleno. Nosotros, parafraseando a Bowie, queríamos ser Thunders solo por un día porque, y eso era lo más importante, la actitud es lo que realmente importa.

DIANA

bonito texto…pero que diferencia hay entre tu en aquellos años y los fans de oasis ahora? :wink:

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No lo se, porque no voy a los conciertos de Oasis. Pero no creo que ni la actitud de los Oasis bros ni la de la gente que los va a ver sea la misma que la de Johnny Thunders ni de la gente que lo veiamos en los conciertos. Tampoco se si será mejor o peor, es totalmente distinta. Nosotros no ibamos a los conciertos a discernir o juzgar al artistas de turno: cuando el grupo salia al escenario ya estabamos dispuestos a disfrutar de un concierto de rock & roll. Definitivamente, eran otras épocas.
¿Que canción de Oasis,por ejemplo, es capaz de rajar con un solo riff a la audiencia? ¿Que canción de Oasis, por ejemplo, transmite actitud, la que sea?

stooge

Con Johnny Thunders ya me tocas la fibra. "L.A.M.F.", "Hurt Me" y "So Alone" son tres discos que me han acompañado durante muchos años. Los sigo escuchando a menudo ahora. Sólo vi a Johnny en directo una vez, en Zeleste, y fue increible.

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La gran perdida física de este año que ya dejamos se produjo el día 25 de Abril. Fue el día en Hasil Adkins dejó este mundo. Ahora que solo faltan unas pocas horas para dejar el año, creo que es una acto de justicia por mi parte que el último disco del que hable este año sea uno de él.
Muchísima gente no conocerá a este oscuro músico americano. Bien, Adkins hacia rockabilly, pero no el arquetípico rockabilly que todos podemos conocer de una o otra forma. Adkins es como el padre putativo de ese rockabilly oscuro y salvaje; ese rockabilly del que luego tomaron como punto de partida grupos como los Cramps, los Misfits o, de una forma un poco más purista, los Stray Cats.
Y es que Adkins era un prodigio de la naturaleza. Sus canciones son cantadas con una energía aplastante, su voz desgarra y grita hasta que parece que se va a desgañitar; sus grabaciones de la época tienen un sonido tan guarro que hacen que el sentido primitivo de estas canciones ganen muchísimos enteros; canciones como We Got A Date son auténticos ensayos adelantados del psychobilly más zombie. Y todo esto, lo increíble de todo, es que Adkins era un hombre orquesta. Todas sus canciones de este disco y de otras grabaciones las realizo absolutamente solo: solo su voz, su guitarra y un kid de percusión básico. Con esos simples elementos, Adkins fabricó una de las músicas más absolutamente enloquecidas y extraterrenas que nunca se han conocido. Salvaje como un redneck borracho hasta la médula; hambriento como un hombre lobo en medio de un bosque tupido en Oregon; excitante como un trago de bourbon de 75 grados: pura dinamita

stooge

Para mi Adkins y Little Richard han sido los padres del punk, sin ellos no hubiese existido.

30segundossobreTokyo

Tu y yo nos tenemos que encontrar para tomar una cerveza.

stooge

Si tio, coincidimos en bastantes cosas, aunque a mi el experimentalnoiseindustrialgotico no me vaya tanto como a ti…llamame clasico

Hank

Two Wrongs won't make things right
TARNATION

Quizás estés en un coche. Te imaginas -o es real?, en una montaña de esas desde donde se ve la ciudad, aparcado en uno de los pequeños miradores donde se esconden los enamorados. Donde una vez, incluso tu, ocupaste tu tiempo en otros cuerpos. Es de noche, claro, y ves las luces a lo lejos, pequeñas y blancas, como promesas de algo que nunca alcanzas. Quizás, seguramente, estás solo. Y justo en ese momento comienza la canción. Y sonries. Y cuando giras la cabeza y ves el asiento de al lado vacío, te enciendes un cigarro mientras intentas recordar donde dejaste la petaca. Sabes que no puede estar muy lejos.Y sabes que quizás, pasado un tiempo, otra mujer será luz dentro de tu coche. Quizás por eso necesitas beber. Y cuando se acaba la canción te esfuerzas en olvidar. Quizás no tanto lo pasado, como lo por venir.

Marniello

Añada de Ana la friolera - Nacho Vegas

Una tragedia norteña marca de la casa, con aires de vals fúnebre, y honesta a pesar de ser tan literaria.

poppie

@Marniello:ootmkvag:

Añada de Ana la friolera - Nacho Vegas

Una tragedia norteña marca de la casa, con aires de vals fúnebre, y honesta a pesar de ser tan literaria.

lo de la manta a cuadros me encanta

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Bien, después del paréntesis navideño y, ya entrando de lleno en 3 meses de duro periplo por un calendario laboral sin ningún festivo, no hay nada como un disco árido y agreste para poner al personal en situación.
No se si los que acostumbran a leer estos foros tan orientados hacia el pop, el rock y otras formulas musicales, digamos, populares, conocen la existencia del Kronos Quartet. Su primer concierto fue en el 73 y, desde entonces, se han consagrado como el mejor cuarteto de cuerda especializado en la música contemporánea. Han interpretado la mejor selección de composiciones de música contemporánea, free jazz e incluso han tenido sus devaneos con el pop, pero lo que mejor se les da es la contemporánea.
En 1990 decidieron grabar, junto otras composicio0nes, una de las obras más duras, tensas y brutales la música del siglo XX: el Black Angels de George Crumb.
George Crumb, compositor americano nacido en 1929, escribió esta composición de 20 minutos en el año 70 en respuesta a la guerra del Vietnam. Y digamos que lo que escribió es una de las obras más descarnadas que nunca se han realizo con la guerra como leiv motiv. Las cuerdas chillan, los silencios son abrumadores, el clima de tensión es tan elevado que parece que todo vaya a estallar en segundos. No hay tiempo para bajar la guardia. La escucha es tan hipnótica que incluso oyéndola con los ojos abiertos miles y miles de imágenes brutales asaltan ala imaginación de oyente a una velocidad muy elevada. Tantas y tantas cosas pasan, se intuyen o te asaltan en estos 20 minutos que es muy complicado poder describirlas con palabras. El Black Angels está considerado, con razón, una de las piezas musicales más siniestras de la historia y, para mí fuera de contexto, uno de sus fragmentos fue utilizado para la banda sonora de El Exorcista.
Pero este disco está lleno de otras composiciones que también son para tener muy en cuenta. El disco en su totalidad respira un profundo antibelicismo por su lado más directo. Acompañando a la composición de Crumb encontramos el Spem In Alium del compositor del siglo XVI Thomas Tallis que relata una batalla bíblica, la impresionante y también desgarradora Doom, A Sigh del compositor Istvan Marta (esas voces de mujeres gritando y llorando…), They Are There!, compuesta por el compositor americano Charles Ives durante la Primera Guerra Mundial y reescrita en la Segunda y, para terminar, el cuarteto de cuerda número 8 de Dmitry Shostakovitch, dedicada a las víctimas de la guerra y del fascismo, compuesta en 1960 en plena guerra fría.
Música tan tremenda no puede ser apartada ni olvidada.

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1978. London’s burning, que decían The Clash y no solo por la música. Bueno, la música pop de ese momento y en ese país era el fiel reflejo de lo que ocurría a nivel social y político. El país en general lo estaba pasando realmente mal. Las clases populares y la clase media veían como el gobierno laborista de Harold Wilson no sabia como afrontar la crisis y la sombra ya muy poderosa de Margaret Thatcher ya amenazaba con lo que, un tiempo después, sucedería. El descontento social imperaba por doquier y en todos los rincones de Gran Bretaña la cosa olía a quemado. Huelgas y disturbios infestaban el país, las amas de casa veían como los precios se elevaban hasta cotas nunca vistas, los trabajadores estaban siempre alerta a los noticiarios parea saber si su empresa seguía en activo al día siguiente, los jóvenes no sabían si habría no solo un futuro para ellos, sino también un presente. Fatal, vamos. Pero de todos los estratos sociales que desde años viven en Inglaterra, los de origen africano siempre lo han tenido peor. En 1976, unos graves incidentes en el carnaval de Nothing Hill dieron el aviso general de que algo pasaba por allí. La cosa era muy seria.
Los jóvenes de origen antillano y sobre todo jamaicano, tenían a sus compañeros de generación blancos como amigos en la causa de sufrir la explotación de poder. Muchos jóvenes blancos que luego se hicieron famosos confiesan a quien los quiere oír que, en su juventud, abrir una ventana de sus casas en los barrios obreros británicos y empezara oír ska, rock steady y, más tarde, reggae, era la cosa más normal del mundo. Y muchos de ellos no solo simpatizaban con esa música que sus vecinos utilizaban para animar sus existencias, sino que incluso algunos de ellos la tomaron como parte muy importante a la hora de realizar sus propias creaciones.
Pero los jóvenes jamaicanos residentes en Londres querían tener su voz propia, sin ningún tipo de intermediación blanca. Una voz igual de potente que la que venia del otro lado del Atlántico. Y gracias a este propósito, nacieron un buen número de bandas británicas de reggae de las cuales, sin ningún tipo de dudas Steel Pulse fue, y es, el mejor exponente.
Su primer disco, este Handsworth Revolution, es un verdadero grito de inconformismo político social de alta intensidad. Un contenido político muy reivindicativo, tanto que esto les llevo a tener serios problemas con las autoridades de ese tiempo. Los Steel Pulse no se callaban / no se callan ante nadie. Este alto grado de compromiso les llevo a convertirse en un auténtico referente, no solo en su país, sino también en Jamaica. Incluso Marley confesó que los Steel Pulse eran uno de sus grupos favoritos y las canciones de sus dos primeros discos siguen siendo tan vigentes que hasta parecen estar grabadas hace solo un par de meses. Por suerte y tras pasar una etapa de un cierto ostracismo, los Steel Pulse siguen siendo de lo mejor del reggae ahora. Un disco realmente imprescindible.

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Lee “Scratch” Perry es, según mi humilde opinión, no solo un genio con todas las acepciones del término, sino que, junto a Kraftwek y a su compatriota King Tubby, la segunda rama importantísima para entender la música popular actual. La música electrónica más bailable le debe muchísimo, tanto como a los alemanes; el post rock también y todos los productores que actualmente juegan con las posibilidades infinitas de la mutación dub le han de tener en un pedestal. Es junto a otros productores sajones y blancos, propietario de una plaza muy destacada en la pequeña historia de los que se ponen detrás de una mesa de mezclas de un estudio y con su talento, crean, hacen, deshacen y mutan cualquier cosa grabada anteriormente. Perry es un artista que, en vez de darle a la voz, a la batería, a las cuerdas o al laptop, le da a los controles.
Este monumental trabajo (3 discos y casi 4 horas de música sublime), es un breve repaso por la trayectoria de Perry al mando de esa nave interestelar que fueron los Black Ark Studios de Kingston durante el periodo 1975 hasta 1979, unos estudios cutres pero que, entre sus paredes, fue un auténtico hervidero de creación sonora de primera magnitud. Todo el que quería ser algo en la música jamaicana en la década de los 70 y finales de los 60 tenía que pasar por sus manos y ponerse bajo la tutela de Perry. Y cuando digo todos, digo todos, incluso Marley.
Aquí encontramos, en su gran mayoría, versiones dub de grandes clásicos que se encuentran diseminadas en las distintas grabaciones realizadas por Perry, incluidas también grabaciones que el propio Perry realizó con su propia banda, los increíbles Upsetters, todo un compendio de música de este mundo y de otros, música poderosa como pocas y que, porque no decirlo, muestra de que existe otra visión de la psicodélia fuera de los cánones anglosajones conocidos. En algunas de las versiones contenidas en este disco hay auténticos viajes alucinógenos que agradecen la escucha en compañía de un buen canuto. Pero que se olviden los que piensan que el reggae es música para cumbayás y pies negros en general: aquí no hay sitio para esto. Esto es música de muy alta graduación.
Y cuando anteriormente he hablado de la genialidad incontestable de Perry no solo me refería a su visionaria forma de afrontar el hecho de grabar o de mostrar a la gente lo que se puede hacer detrás de unos controles. Los genios, en un alto grado, son seres peculiares que, de pronto, les da un pronto y arman una gorda. Perry lo hizo destruyendo por completo los Black Ark estudios porque, según decía, tenía miedo de que sus competidores echasen mano de su trabajo. Según cuenta la leyenda, fue el propio Perry quien quemó los estudios es un arranque de desesperación a pesar de que un grupo de turistas alemanes le pidieron encarecidamente de que no lo hiciera. Desde entonces, la vida de Perry ha sido errática y todos pensábamos que estaría más muerto que vivo. Pero una hornada de productores decidieron que era bueno aprender de sus trabajos e iniciar lo que ahora se denomina dub digital (¿para cuando un concierto de dub digital aquí, señores del Primavera o del Sónar?) o iniciar una, digamos, exitosa serie de conciertos mundiales donde su figura delgada y un tanto presencial sirve de reclamo para que miles de seguidores lo podamos ver en acción, enfundado en su capa roja y con su corona en la cabeza. Perry es el rey, no cabe duda. Larga vida al rey.

Suarezmanlanz

Joder 30sec, estás aburridillo eh? Menudos dos regalitos que nos has hecho en un solo día!

30segundossobreTokyo

Y espera a mañana….

churro

Este último me ha encantado, si señor

30segundossobreTokyo

gracias, uno hace lo que puede.

pumpkin57

Tengo una deuda pendiente con la música jamaicana que algun dia debería saldar. Tal vez empiece con el recopilatorio que propones. Por cierto, 30, conoces a Rhythm & Sound? Yo bastante poco la verdad, aunque lo que he escuchado no está mal. Son los componentes de Maurizio y del sello berlinés Basic Channel (se llama así, no?), especialistas en insuflar dub al techno. Colaboran en el proyecto varios cantantes jamaicanos, que evidentemente no tengo ni flapa de quienes son. Diria incluso que Rhythm & Sound estuvieron en alguna edición del PS. En fin, ya me dirás que te parecen.

Maurizio sí que me pirran bastante. Yo tengo este cd recopilatorio de sus maxis, aunque dicen que es mejor escuchar los originales en vinilo, pero bueno…

pumpkin57

Por cierto, que estoy mirando precios del Arkology por Internet, y no baja de 40 dólares. Joder, ya se que son 3 CD, yo no puedo gastarme ese dinero. Ya me dirás si hay algun sitio donde pueda encontrarlo más barato. De momento me lo he bajado por el pajarraco y suena de vicio.