Piel de gallina

[Rumsas]

jummmm…. 40 euros es una pasta pero Arkology lo merece

Vi al Sound System de Adrian Sherwood hace un par de años y fue brutal, iba con no recuerdo qué toaster, que se vengan al Fórum que con esos bajos retumbantes pueden mandar la pergolita fotovoltaica a tomar por culo

Staugbold me suena que tenía algo (Mapstation), también está el sello de Pole (no me acuerdo el nombre, venía un sampler en un rdl relativamente reciente, pero había mucho menos dub del que pensaba)

[30segundossobreTokyo]

yo creo que el dub es el estilo músical pendiente en España, tabnto en escena propia como a la hora de poder ver en directo alguna de las propuestas extranjeras. Alguna vez se han acercado alguien, como Mad Proffesor, pero nos perdemos las nuevas propuestas.
Los pies negros que dicen que les gusta la música jamaicana no lo saben apreciar del todo, porque no está lleno de soflamas soplagaitas. Los nenes del tecno parece que tampoco están por la labor, y así sucesivamente. Un asco playa, vamos.
No saben lo que se pierden. No hay música más mutante que el dub.

[Rumsas]

Mad Professor estuvo hace unos años en las fiestas patronales de Huesca y casi se lo comen… Todo el mundo fue pensando que iban a ser unos simpáticos negritos tocando canciones de Bob Marley con una guitarra y se encontraron a todo un Sound System... "eso no es música, es un señor poniendo discos"

[30segundossobreTokyo]

Je je je. La primera vez que lo ví fue en un festival en un parque de Badalona. Su banda estaba tocando y no lo veiamos por ningún lado, hasta que nos dimos la vuelta y lo vimos en la mesa de control…sobando como una marmota.
Tiempo más tarde lo volví a ver y si que estaba despierto, si.

[30segundossobreTokyo]

Tenia muchas ganas de hablar de este disco. La historia de los Skatalites es, en su origen, muy corta. Como grupo solo duraron 2 años, los que van de 1963 a 1965. Durante esos meses, el grupo fue la banda de acompañamiento de las emergentes figuras que empezaban a dar a conocer en Jamaica una nueva música que desbancaría al mento o al calipso tradicional: el ska. Acompañaron a los originales Wailers, a los Gaylads, a Delroy Wilson o Alton Ellis, entre otras muchas jóvenes estrellas que grababan en el recién nacido sello Studio One de Clement “Coxone” Dodd y que pusieron las firmas bases de lo que después se conociera en todo el mundo. Pero, de vez en cuando, Dodd dejaba que sus músicos de sesión hicieran sus propias grabaciones, grabaciones que se alejan un tanto de lo que hacían como grupo de acompañamiento. Sus piezas eran instrumentales y claramente derivadas hacia un ska de corte más jazzistico, debido al a gran influencia que el jazz americano y, en concreto, el be bop había ejercido en los componentes de los Skatalites. Aunque esas piezas cortas, singles en su mayoría, la cosa estaba clarísima desde entonces: eran unos músicos de elite.
En 1965 la banda se separa y sus componentes crean distintos proyectos que también seria pasto de la creatividad musical de esos tipos. Pero aquí empiezan a torcerse las cosas con el encierro por asesinato y posterior suicidio de Don Drummond, el alma mater del asunto. A partir de entonces, los Skatalites inician una caminata por el desierto que solo terminará cuando el fenómeno Marley haga descubrir a todo el planeta la existencia del reggae. Los que se quedaron alucinados con el ritmo acompasado jamaicano y decidieron escarbar más allá de Marley, pronto descubrieron no solo el rock steady y luego el ska, sino que en ambos estilos habían unos nombres en común que, uniéndolos, llegaban a la existencia de los Skatalites. Se empezó a reivindicar su importancia y su obra y axial fue cuando, a principios de los 80 los supervivientes originales del grupo se vieron con la sorpresa de que nos solo eran redescubiertos por sus paisanos, sino que gozaban de un fervor más allá de Jamaica. Inglaterra, Francia, Italia, Alemania, Japón, USA e incluso los fans españoles estaban ávidos de sus grabaciones y pedían que se reunieran de nuevo. Deciden hacerlo en 1983 y desde entonces no han parado, a pesar de que algunos de sus componentes originales hayan fallecido desde entonces. Desde 1983 han tocado en todo el mundo, hasta en países como Rusia o América Latina y, finalmente, a mediados los 90, aterrizaron en España, en una serie de conciertos que fueron el inicio de una especial relación entre los jamaicanos y el público español. Y como no puedo aguantarme de decirlo, en una de sus visitas a Barcelona (concretamente en Garatge) tuve la suerte de que dos de los Skatalites originales me firmasen un vinilo que guardo como oro en paño Y es que los conciertos de los Skatalites son algo muy especial y que crean devotos por doquier.
Este disco contiene un momento importantísimo en la historia de los Skatalites, el concierto de reunión celebrado el 17 de Julio de 1983 en Kingston. La verdad es que el disco es impresionante. La banda se muestra tal como es: compenetrada hasta el infinito, sabios domadores de sus instrumentos, improvisadores totales y unos músicos del carajo. Parece como si el tiempo no hubiera pasado, no hubiera existido la ruptura y hubiesen seguido tocando juntos desde 1963. Capaces de hacer temas largos y con desarrollos jazz sin que te cansen ni un momento; temas más ligeros pero llenos de una alegría inconmensurable. Este disco es un buen ejemplo del porque la música negra (la buena música negra) es tan luminosa, tan distinta a las demás. Es cien por cien ritmo, saludables ganas de bailar y disfrutar hasta decir basta, con 12 músicos que se lo pasan pipa y se nota un montón tanto en los gritos de la audiencia ( una audiencia donde estaba Lester Bowie, por cierto ) y en la cara que se pone cuando los oyes en el equipo stereo de tu casa. Una auténtica alegría de vivir hecha música y editada por un sello no menos legendario, Roir Records, discográfica creada por Neil Cooper para grabar en cassette los conciertos que en plena explosión punk neyorkina se hacían en USA y que, con el tiempo, se convirtió en un auténtico testigo de esos días. Y como Cooper le gustaba (creo que falleció, no estoy seguro de ello) mucho el reggae y el dub, también ha ido editando excitantes grabaciones de reggae & dub, ahora en formato digital.

[30segundossobreTokyo]

Ahora que el jazz, como estilo musical propio, esta más muerto que Akenaton y que hay una miríada de jovencitos que se denominan a si mismo continuadores de la No Wave neyorkina y, en el fondo, solo realizan música de baile con alguna disonancia para que las revistas de tendencias ni les tilden ni de raros ni de simplones, habría que decir que hay alguna banda que, de una forma extraordinariamente undergorund, si que lleva bien alto el estandarte del No Wave neyorkino, aunque eso decidiese irse de New York y trasladarse a Chicago en los 90 (denominándose Chicago No Wave). De paso, y como quien no quiere la cosa, se dedican a los que los quieren oír que el jazz no ha muerto, sino que está en manos de unas momias que lo único que hacen es acelerar su proceso de putrefacción.
The Flying Luttenbachers es uno de estos grupos que juegan en la liga del undergorund más acérrimo desde su creación en 1992, de las manos de Weasel Walter, el único componente que ha seguido en la historia de este peculiar proyecto hasta la actualidad. El grupo ha pasado por diversas épocas: del acústico de los principios hasta cosas que no he oído actuales. Pero la época que abarca este compilatorio (1996 – 2000) es, para mi, la más provocadora y alucinante, la época que ellos mismos denominan The Satanic Power Trio Era.
Y la cosa va muy en serio. The Flying Luttenbachers destilan caos, puro caos. Bajo el disfraz de free jazz radical, el grupo taladra a la audiencia con un absoluto e impío compendio de grind jazz, death jazz, trash jazz, black jazz, noise jazz o, digámoslo claro otra vez, caos en su estado más impertinente. Abrigados bajo un manto de simbología satánica (es el único grupo con influencia jazz en que he visto esta simbología de una manera abierta), los diversos músicos que acompañaban a Walter en esa época se dejan, de forma literal, la piel en cada improvisación, en una especie de lucha sin cuartel contra todo lo establecido, una urgente necesidad de mostrar que se pueden cometer locuras con cosas que, quizás, nadie piensa que son realizables. No busquen ustedes estructuras, ritmos, melodías, bonitos solos de piano o de saxo los cuales solo sirven para la masturbación técnica del músico – estrella en cuestión. Esto es más punk que muchos grupos punk, mucho más salvaje que otras cosas que quizás hayan oído y que les venden que son lo más bruto.
En este disco encontramos muchas grabaciones en directo realizadas en sus constantes actuaciones en USA y Europa, continente que pasean con una cierta continuidad menos, naturalmente, España. Es muy curiosa la cosa, grupos como este, salvo que personas con unas miras muy abiertas como las de Arco y Flecha, lo tienen muy complicado de venir salvo que s trate de alguien que arriesgue su dinero de una manera personal: son demasiado noise para los programadores de los aburridos festivales de jazz; también lo son para los apolillados clubs de jazz que todavía creen que salen Sonny Rollins cada mes; los punks ni se enteran y los que hacen algún festival como el Primavera no se si los conocen, En fin, que dura es la soledad del seguidor de un grupo como este en un país como España, donde es muy complicado encontrar sus discos, también en Emule. Menos mal que hay algún pequeño distribuidor chalado que, de vez en cuando, dispone de alguna copia.

[koan]

BASIC CHANNEL - Quadrant Dub - Limited Edition Clear Vinyl

de los mejores vinilos que he comprado nunca, los reeditaron en vinilo transparente con manchas negras y da la vuelta a la pista, sin ser pistero el tema en si…

[30segundossobreTokyo]

Creo que alguna vez he mencionado a un amigo que tenia hace muchos años con el que descubrí discos increíbles. Unas veces me los compraba yo, los escuchaba en casa y si veía que lo que oía era increíble, le llamaba, iba a su casa y lo escuchábamos juntos. El también hacia lo mismo con los que el compraba.
Recuerdo que un día, no sé si en el 79 o en el 80, me llamó un día para decirme que, cuando tuviera un momento, me pasase por su casa, que había comprado algo que le había impresionado y que, encima, era divertido. Así que fui a su casa y me enseñó un doble vinilo con la foto de un tipo con mostacho vestido a lo árabe. Sabía que era Zappa, pero nunca lo había escuchado. Mi amigo también estaba en las mismas, así que para nosotros poner ese disco en el tocadiscos era enfrentarse a un viaje iniciático. Desde ese momento, me volví seguidor de Zappa. No tengo todos sus discos, es más, solo tengo unos pocos, pero sé que con esto del emule podré ahora disponer de buena parte de su obra. Y para estrenarme en las descargas zappianas, nada mejor que recuperar este disco y volver a disfrutar de ese Zappa de finales de los 70.
No sé si alguien está de acuerdo conmigo, pero yo pienso que Zappa es uno de los genios creativos más totales que ha dado la música americana en el siglo XX. No solo por su dominio del instrumento (gran guitarrista), sino por la amplitud de su obra, las características especiales de ella, su visión de la vida que impregna esa obra de forma total, su sentido del humor irreverente y sardónico, su crítica política mucho más directa que la de otros compañeros d generación, entre otras cosas. Pero la verdadera grandeza de Zappa es que es un compositor contemporáneo que no solo le gusta el rock, sino que hace rock. Sus discos, como por ejemplo este son, en el fondo, como composiciones de música contemporánea realizadas con la visión de un músico de finales del siglo XX. Y como buen músico, sabe no encerrase en su caparazón. Como se rie de Dios y de su madre, utiliza ese sentimiento crítico para adentrarse en estilos musicales que sus otros compañeros de generación despotricaban en esta época. Aquí oiremos referencias al punk y a la new wave e incluso chanzas a Dylan. Zappa no era músico de una canción, sus discos han de ser oídos como una obra total, donde la música es la dueña absoluta del cotarro. No hay ni un segundo donde no suene nada, hay complejidad musical llevada a altas cotas ( los músicos que tocaban con él sabían muy bien lo que es tener un instrumento en sus manos y como utilizarlo); la utilización de letras satíricas donde la ambigüedad, las referencias sexuales (otra de sus grandes pasiones), la ridicularización de la disco music y de las costumbre judías y, sobre todo y de forma primordial, el azote perenne de América como “espejo de civilización”, le hacían ser un personaje absolutamente irreverente; explorador de nuevos campos sonoros…todo esto y todo lo contrario se puede encontrar en este disco, como en toda su densa obra. Todo un torrente.

[e7ili]

Adoro a Zappa. Sobretodo el "Overnite Sensation" y el "Hot rats". Tiene una discografía inmensa e impresionante.

[30segundossobreTokyo]

Ostras, me alegro muchisimo que también te guste el viejo Frank. Creo que si viviese ahora, se reiria mucho más que antes, pero discos no sé si venderia alguno.

[30segundossobreTokyo]

Solo 10 años antes del disco anteriormente comentado, Zappa estaba inmerso en uno de los proyectos musicales más locos, anarquistas y creativos del siglo pasado: The Mothers Of Invention. Un combo fuera de su tiempo; no eran psicodélia, no eran blues ácido, no eran garaje, no eran pop, no eran rock & roll….bueno, eran todo esto y mucho más. Un auténtico container de todo eso, alterado y mutado, sobrepasado y arrasado, estimulado y vapuleado, roto y recompuesto. Zappa y sus secuaces abanderaban (y casi se puede decir que ello eran) el movimiento freak californiano, pero esto es una anécdota. La música de las Madres era tan arrasadora que, incluso ahora, está muy por encima de la media. Quizás ahora se les pueda calificar como improvisadores natos y yo estoy de acuerdo con esta definición. Cogían todos los elementos a su disposición y creaban su propia obra, basada en el collage y el eclecticismo más radical. Blues, rock y hasta música concreta, entre muchísimas cosa más, aflora y se funden para crear un caos organizado dentro de un cosmos peculiar e intransferible, obra de unas mentes que se encontraban muy cómodas en su mundo que, naturalmente, no se correspondía con el resto de los mortales.
UNCLE MEAT era el proyecto de crear una banda sonora para una película que tardó hasta 1983 en ver a luz, pero en este disco está todo lo que el espíritu zappiano expandió a lo largo de su vida creativa. Piezas cortas o largas, desarrollos instrumentales, corta y pega sonoro, cachondeo y sorna y todo lo que queráis, pero lo más importante era una libertad creativa absolutamente total.
Una libertad creativa que se demostraba de forma impactante en sus conciertos, unos conciertos que eran mucho más que una concatenación de canciones: eran el puro reflejo del alma de las Madres, mítines ácratas donde podía pasar de todo mientras se rompiesen el máximo de normas establecidas. Estos conciertos fueros decisivos para crear una conciencia creativa muy importante, sobre todo en Europa que, por aquella época (el perdido de 1966 a 1968), vivía tiempo muy movidos. Cuenta la leyenda que, durante la primera gira de The Mothers en Alemania, muchos de los jóvenes que asistieron a esos conciertos decidieron imitar a esos alucinados músicos americanos, creando su propio lenguaje musical pero tomando esas referencia que proponían Zappa y The Mothers. Fue le inicio del Krautrock. Luego, en 1968 y en la segunda gira de The Mothers en Alemania, sucedió el famoso incidente de los estudiantes comunistas, que invadieron el escenario donde tocaban para obligarles a leer un manifiesto izquierdista, cosa que Zappa se negó ha hacer, haciendo que el público se pusiese en su contra y les gritasen The Mothers Of Reaction. Eran tiempos muy movidos esos y, no cabe duda, The Mothers eran un reflejo creativo de esos tiempos pero, como bien dijo el personaje interpretado por Orson Wellen en EL Tercer Hombre, la creatividad aflora cuando existe tensión, nunca cuando el ambiente está tranquilo.
Y lo más divertido, anecdótico y, por que no decirlo, irónico de todo este asunto, es que tamaño monumento al librepensamiento humano y artístico, este tratado de la sorna y el cachondeo, esta bomba de relojería contra las buenas costumbres y todo lo que Zappa quería destruir, fue cobijado, editado, fabricado y dado a conocer por Reprise Records, el sello discográfico que Warner Bros creó para que Frank Sinatra fichará por ellos y abandonara Capitol. No, si cuando digo que los extraterrestres dominaban la industria del espectáculo americano en esos años no digo ninguna estupidez…. Porque de otra forma no me explico el porque.

[Gallo Negro]

Llego un poco tarde para decirlo, pero quería comentar que también me encantan skatalites. Los vi un par de veces y estoy totalmente de acuerdo con 30segundos de que en directo son únicos y grandes. Es un gustazo ver a los abuelos dando conciertos de dos horas y media de duración haciendo mover el culo a todo el mundo todo el tiempo.

Aprovecho el modo jamaicano on para sincerarme, porque aunque haya rajado tanto de bob marley siempre, el uprising siempre me ha gustado.

[Pixie]

@30segundossobreTokyo:2i0xkuj2:

Joder!! Este grupo es la polla!! No los concocia de nada, pero gracias a tu comentario me estoy bajando un disco suyo (destroy all music) y esta chulisimo!!!
gracias mil!

[30segundossobreTokyo]

De nada. Bienvenido a la pequeña secta luttenbachers.

[30segundossobreTokyo]

Esta mañana, a muy temprana hora, he tenido que coger el coche, ir a la otra punta de la ciudad por la Ronda de Dalt, y enfrentarme a un espeso tráfico producido por 2 circunstancias: ser lunes y llover. O sea, que tenia que estar ya preparado para pasar, por lo menos, el doble de tiempo del normal dentro del coche. Una alegría para el cuerpo, vamos. Pero como tenia previsto hablar de este disco, me lo he llevado, junto a otros, para volver a escucharlo. Realmente tampoco era necesario, lo habré escuchado unas 400 veces, o sea, me lo conozco de memoria. Pero hay ciertos discos que se escuchan de una forma distinta dentro de un coche, y más si vas solo. Entonces, pones el cd en el lector del coche (que gran invento, vive dios), pones el volumen lo más alto que te permiten tus oídos, ajustas los bajos (los del cd, mal pensados) y, venga, a flipar en colores.
La verdad es que este disco fue decisivo para mí. Fue algo así como un punto de ruptura con el punk y también el inicio de un interés por mi parte por la experimentación dentro del rock. Luego vivieron otras cosas, pero este disco fue algo así como una espoleta que me exploto en las manos que, muchísimos años después, cada vez que lo oigo compruebo que sigue fresco y voluptuoso.
No se si lo que Lidon & cia hicieron en este disco era algo premeditado. Creo que si. Seguramente lo que pretendían era hacer una revisión o una puesta al día de lo que Can hicieron en Alemania tiempo antes, pero esa revisión o actualización de los conceptos de Czukay & cia pasaban por otras fuentes que los alemanes no tenía su disposición en su tiempo. Y es que Public Image Ltd tomaron cosas como el fun., el regale y, sobre todo, el dúo como puntos de referencia para crear un disco que huele a improvisación por todos lados. Es como una fascinante a.m. donde los músicos empiezan en un sitio y, de una forma consciente, van deslizándose por lo que van creando de una forma instantánea.
Y, de forma harto curiosa también, los 4 componentes del grupo parecen totalmente conjuntados como si hubieran estado tocando juntos siempre. Es impresionante la conjunción: Keith Levene trama constantes telas de araña con su guitarra afilada como un machete; Tim Walter marca el ritmo de una forma precisa y con cambios marcados, aunque también sabe ser monolítico cuando el tema lo precisa, Lyddon se comporta como un Damo Suzuki cantando, hablando y gritando lo que le viene en gana, sean palabras o sonidos guturales o onomatopeyas y, por último, el que creo que es el elemento primordial en todo ese conjunto, el monumental bajo de Jah Wobble. Marcapasos preciso, arquitecto de capas y capas de graves; es el mejor reflejo de la escuela jamaicana encarnada en un músico blanco. Es un auténtico orgasmo sonoro poder degustar ese bajo a un volumen alto, hasta que la vibración sea muy acentuada.
Temas bailables en una discoteca mutante, dub extraterrestre, este disco, como he dicho anteriormente, no solo no pasa de moda, sino que sigue joven e inalterable. Lástima que todo esto durase tan poco, pero mi cassette sigue sonando POPTONES.

[30segundossobreTokyo]

Este disco es, junto al Trans Europe Express, mi disco favorito de Kraftwerk de la época en que todos empezamos a descubrirlos. La época en que creaban una cosilla que luego se le denominaría technopop o como ustedes quieren llamarlo. Naturalmente, dejo aparte su anterior etapa, más ligada al krautrock, aunque esto habría que ponerlo en comillas, etapa que terminó con el Autobahn.
¿Por qué es mi disco favorito de los germanos? Porque es como un híbrido entre la música experimental electrónica germana, el minimalismo, la música contemporánea europea de posguerra y, en gran medida, el acercamiento a los postulados pop en los que los alemanes querían, no solo entrar, sino en dar una nueva visión del mismo, visión que quedaría plenamente mostrada en años venideros.
Radio Activity es una oda hermosa a la electricidad, ese elemento por lo cual no se entendería la vida humana desde que Edison la introdujo en los hogares. Pero no es una oda fría, es, como decirlo, sugerente y placida. Creo que el mejor calificativo es el de humana. Para ello no dudan en explorar las amplias posibilidades de las ondas de radio y los espectros electromagnéticos, pero de una forma tan sensitiva como armoniosa. Hasta incluso hay momentos, muchos, que entran de lleno en el romanticismo propio de la estética cinematográfica alemana de entreguerras. También hay parajes ambientales, no se, creo que es uno de los disco electrónicos más completos jamás creados.
Por otro lado, este disco es un claro ejemplo de lo que sus creadores quisieron dar al mundo: una música moderna netamente europea, tanto en su creación como en su estética y postulados. Y con esto no se vea un nacionalismo germano, ni siquiera un nacionalismo europeo. Simplemente un intento de crear algo completamente distinto a lo que venia tanto de Estados Unidos como de Inglaterra, algo que uniera una forma de entender el arte común desde Lisboa a Moscú, desde Estocolmo a Atenas. Y Kraftwerk creyeron que tanto la electrónica como las enseñanzas de los maestros contemporáneos europeos era la forma necesaria para crear esta nueva música popular europea, una música que reflejara, de una forma nítida, la forma en que Europa, como entidad tanto política como social y cultural, se desarrollaba en esos momentos. Europa como foco de expansión económica y de conquistas sociales; la Europa que necesitaba tener una entidad propia entre la cultura anglosajona y la nipona; la Europa de, como no, las contradicciones y las tensiones tan bien reflejadas en su corazón central: Alemania y, de una forma total, Berlín; la Europa del conflicto tanto físico como de personalidad incipiente; la Europa que se debatía entre el cristianismo y el ateismo; la Europa de la socialdemocracia y los demócratas cristianos; la Europa rica y la pobre; la Europa democrática y la que no.

[churro]

Joder 30" tu deberías estar en nómina aqui vaya clases magistrales, lo malo es ahora ¿quien es el guapo que pone algo?. Lo intentaré.

Bueno este disco esta muy bien, Ea ya he acabado.

[30segundossobreTokyo]

¿Nómina? ¿Donde?

Algún día alguien se tienen que poner en serio ha hablar del papel de las mujeres en el rock como parte activa del asunto, no como mero papel sexual o cosas semejantes. Seguro que la cosa daría mucho de si. Y es que ser mujer y hacer rock nunca ha sido tarea fácil, ni en los 50 y hasta la década de los 80. Supongo que a partir de los 80 la cosa ha dejado de ser como era para entrar en una normalidad que todos agradecemos mucho. Pero hay que tener en cuenta que esto no es ningún tratado sobre ello, sino que, simplemente, para entrar en el grupo en cuestión.
Pero cuando abandonamos el pop o el rock más “convencional” el papel femenino siempre ha sido otro y, si estas mujeres vienen de New York, la cosa cambia. Ser neyorkino a finales de los 70 y principios de los 80 establecía vivir en un hervidero constante de creación centrífuga que, absorbiendo diversos estilos y tomando cosas de aquí y de allí, las convertía en el sonido arty neyorkino por excelencia de esa época: la No Wave. Ya los Ramones, los Televisión o Patty Smith no servían. La cosa habia cambiado y un grupillo de gentes metidas en el mundillo artístico e intelectual, a los cuales les gustaba por igual Richard Hell, Archie Sheep o la disco music, se pudieron a dar marcha a la cosa. La cosa funcionó poco, incluso se encontraron en serias dificultades a la hora de poder grabar sus creaciones, cosa extraña viniendo de New York, una ciudad siempre dispuesta a ofrecer lo más vanguardista para poder luego venderlo al mundo como algo suyo.
Pero quizás, de todos los grupos o propuestas que surgieron de la No Wave, las que más se distanciaban del asunto eran Bush Tetras. Aunque esgrimían textos con contenido intelectual, usaba el funk como elemento de base para muchas de sus composiciones y se disfrazaban de un cierto melodrama expresionista; también encontramos en las canciones de Bush Tetras ecos muy cercanos de las primeras temas de los Talking Heads o de las distorsiones guitarreras de Robert Quine en los Voidoids, o sea, que casi se puede decir que Bush Tetras son como el último grupo netamente neyorkino de la new wave, pero con la evolución encima. Después de ellas, Sonic Youth.
Bush Tetras son como un cierto eslabón entre Patty Smith o Blondie (en USA), las Slits o las Raincoats (en Inglaterra), con los grupos del movimiento riot girls de los 90. La pena es que tampoco las Bush Tetras tuvieron mucho tiempo ni oportunidades para poder dar más de sí.
Boom In The Night es el cd que recoge las pocas ocasiones que el cuarteto pudo realizar entre los años 1980 y 1983, grabaciones casi todas producidas por el batería de The Clash, Topper Headon. Curiosamente, esta compilación fue editada en su tiempo por el sello Roir que, como dije hace unos días, se especializa en grabaciones en directo, pero por lo que supongo, antes que permitir que estas grabaciones se perdieran, el propietario de Roir decidió editarlas. Y hay que agradecérselo, yo al menos siempre lo hago cuando escucho este disco. Encontramos canciones excelentes y muy excitantes, interpretadas por un grupo con unas ideas muy claras sobre lo que quería hacer. Pat Place tocaba la guitarra de una forma chirriante (en las canciones rock) y de forma muy funk en las de baile; Laura Kennedy se ocupaba de darle al bajo de forma firme, Dee Pop estaba en la batería y la voz, entre fría y esquizoide, de Cynthia Sley. Encontraremos canciones impresionantes e himnos capaces de hacer bailar el pogo en cualquier club como la, simplemente fantástica, Cowboys In Africa; o bien temazos para menear el culo de forma mutant-disco como You Can’t Be Funky. Como no creo que este disco sea muy fácil de encontrar en las tiendas, se tendrá que pedir directamente al sello o, lo mejor será que pongan a la burra a currar y se lo bajen, que está. Y que lo disfruten con salud y alegría.
Ya me contarán que les ha parecido.

[llimaz]

30 segundos, lo tuyo sí que es proselitismo melómano.¿cuánto tiempo te lleva escribir estos post, sólo para que 4 brutos aprendamos un poco más?
Yo soy especialmente vago, pero creo que lo mínimo que puedo hacer es bajarme el disco de Bush Tetras ( la primera vez que oigo ese nombre) y dedicarle un ratillo.
A ver que tal

[30segundossobreTokyo]

@llimaz:1kl1m4ki:

30 segundos, lo tuyo sí que es proselitismo melómano.¿cuánto tiempo te lleva escribir estos post, sólo para que 4 brutos aprendamos un poco más?
Yo soy especialmente vago, pero creo que lo mínimo que puedo hacer es bajarme el disco de Bush Tetras ( la primera vez que oigo ese nombre) y dedicarle un ratillo.
A ver que tal

Bueno, me lo tomo como una forma de dar salida a mi frustrada vocación de crítico musical. Tardo según la inspiración, hay veces que tardo muy poco y otras que trato de sobornar a las ¿musas? para que iluminen.
Tampoco creas que lo hago para que todos empiecen a descubrir cosas, ya que esto es una decisión personal, solo hablo de lo que me gusta a mi y, si alguien decide oir ese disco, muy bien. Y si luego va y le gusta, pues todavía mejor.