Piel de gallina

Pixie

Joder!! Este grupo es la polla!! No los concocia de nada, pero gracias a tu comentario me estoy bajando un disco suyo (destroy all music) y esta chulisimo!!!
gracias mil!

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De nada. Bienvenido a la pequeña secta luttenbachers.

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Esta mañana, a muy temprana hora, he tenido que coger el coche, ir a la otra punta de la ciudad por la Ronda de Dalt, y enfrentarme a un espeso tráfico producido por 2 circunstancias: ser lunes y llover. O sea, que tenia que estar ya preparado para pasar, por lo menos, el doble de tiempo del normal dentro del coche. Una alegría para el cuerpo, vamos. Pero como tenia previsto hablar de este disco, me lo he llevado, junto a otros, para volver a escucharlo. Realmente tampoco era necesario, lo habré escuchado unas 400 veces, o sea, me lo conozco de memoria. Pero hay ciertos discos que se escuchan de una forma distinta dentro de un coche, y más si vas solo. Entonces, pones el cd en el lector del coche (que gran invento, vive dios), pones el volumen lo más alto que te permiten tus oídos, ajustas los bajos (los del cd, mal pensados) y, venga, a flipar en colores.
La verdad es que este disco fue decisivo para mí. Fue algo así como un punto de ruptura con el punk y también el inicio de un interés por mi parte por la experimentación dentro del rock. Luego vivieron otras cosas, pero este disco fue algo así como una espoleta que me exploto en las manos que, muchísimos años después, cada vez que lo oigo compruebo que sigue fresco y voluptuoso.
No se si lo que Lidon & cia hicieron en este disco era algo premeditado. Creo que si. Seguramente lo que pretendían era hacer una revisión o una puesta al día de lo que Can hicieron en Alemania tiempo antes, pero esa revisión o actualización de los conceptos de Czukay & cia pasaban por otras fuentes que los alemanes no tenía su disposición en su tiempo. Y es que Public Image Ltd tomaron cosas como el fun., el regale y, sobre todo, el dúo como puntos de referencia para crear un disco que huele a improvisación por todos lados. Es como una fascinante a.m. donde los músicos empiezan en un sitio y, de una forma consciente, van deslizándose por lo que van creando de una forma instantánea.
Y, de forma harto curiosa también, los 4 componentes del grupo parecen totalmente conjuntados como si hubieran estado tocando juntos siempre. Es impresionante la conjunción: Keith Levene trama constantes telas de araña con su guitarra afilada como un machete; Tim Walter marca el ritmo de una forma precisa y con cambios marcados, aunque también sabe ser monolítico cuando el tema lo precisa, Lyddon se comporta como un Damo Suzuki cantando, hablando y gritando lo que le viene en gana, sean palabras o sonidos guturales o onomatopeyas y, por último, el que creo que es el elemento primordial en todo ese conjunto, el monumental bajo de Jah Wobble. Marcapasos preciso, arquitecto de capas y capas de graves; es el mejor reflejo de la escuela jamaicana encarnada en un músico blanco. Es un auténtico orgasmo sonoro poder degustar ese bajo a un volumen alto, hasta que la vibración sea muy acentuada.
Temas bailables en una discoteca mutante, dub extraterrestre, este disco, como he dicho anteriormente, no solo no pasa de moda, sino que sigue joven e inalterable. Lástima que todo esto durase tan poco, pero mi cassette sigue sonando POPTONES.

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Este disco es, junto al Trans Europe Express, mi disco favorito de Kraftwerk de la época en que todos empezamos a descubrirlos. La época en que creaban una cosilla que luego se le denominaría technopop o como ustedes quieren llamarlo. Naturalmente, dejo aparte su anterior etapa, más ligada al krautrock, aunque esto habría que ponerlo en comillas, etapa que terminó con el Autobahn.
¿Por qué es mi disco favorito de los germanos? Porque es como un híbrido entre la música experimental electrónica germana, el minimalismo, la música contemporánea europea de posguerra y, en gran medida, el acercamiento a los postulados pop en los que los alemanes querían, no solo entrar, sino en dar una nueva visión del mismo, visión que quedaría plenamente mostrada en años venideros.
Radio Activity es una oda hermosa a la electricidad, ese elemento por lo cual no se entendería la vida humana desde que Edison la introdujo en los hogares. Pero no es una oda fría, es, como decirlo, sugerente y placida. Creo que el mejor calificativo es el de humana. Para ello no dudan en explorar las amplias posibilidades de las ondas de radio y los espectros electromagnéticos, pero de una forma tan sensitiva como armoniosa. Hasta incluso hay momentos, muchos, que entran de lleno en el romanticismo propio de la estética cinematográfica alemana de entreguerras. También hay parajes ambientales, no se, creo que es uno de los disco electrónicos más completos jamás creados.
Por otro lado, este disco es un claro ejemplo de lo que sus creadores quisieron dar al mundo: una música moderna netamente europea, tanto en su creación como en su estética y postulados. Y con esto no se vea un nacionalismo germano, ni siquiera un nacionalismo europeo. Simplemente un intento de crear algo completamente distinto a lo que venia tanto de Estados Unidos como de Inglaterra, algo que uniera una forma de entender el arte común desde Lisboa a Moscú, desde Estocolmo a Atenas. Y Kraftwerk creyeron que tanto la electrónica como las enseñanzas de los maestros contemporáneos europeos era la forma necesaria para crear esta nueva música popular europea, una música que reflejara, de una forma nítida, la forma en que Europa, como entidad tanto política como social y cultural, se desarrollaba en esos momentos. Europa como foco de expansión económica y de conquistas sociales; la Europa que necesitaba tener una entidad propia entre la cultura anglosajona y la nipona; la Europa de, como no, las contradicciones y las tensiones tan bien reflejadas en su corazón central: Alemania y, de una forma total, Berlín; la Europa del conflicto tanto físico como de personalidad incipiente; la Europa que se debatía entre el cristianismo y el ateismo; la Europa de la socialdemocracia y los demócratas cristianos; la Europa rica y la pobre; la Europa democrática y la que no.

churro

Joder 30" tu deberías estar en nómina aqui vaya clases magistrales, lo malo es ahora ¿quien es el guapo que pone algo?. Lo intentaré.

Bueno este disco esta muy bien, Ea ya he acabado. :oops:

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¿Nómina? ¿Donde?

Algún día alguien se tienen que poner en serio ha hablar del papel de las mujeres en el rock como parte activa del asunto, no como mero papel sexual o cosas semejantes. Seguro que la cosa daría mucho de si. Y es que ser mujer y hacer rock nunca ha sido tarea fácil, ni en los 50 y hasta la década de los 80. Supongo que a partir de los 80 la cosa ha dejado de ser como era para entrar en una normalidad que todos agradecemos mucho. Pero hay que tener en cuenta que esto no es ningún tratado sobre ello, sino que, simplemente, para entrar en el grupo en cuestión.
Pero cuando abandonamos el pop o el rock más “convencional” el papel femenino siempre ha sido otro y, si estas mujeres vienen de New York, la cosa cambia. Ser neyorkino a finales de los 70 y principios de los 80 establecía vivir en un hervidero constante de creación centrífuga que, absorbiendo diversos estilos y tomando cosas de aquí y de allí, las convertía en el sonido arty neyorkino por excelencia de esa época: la No Wave. Ya los Ramones, los Televisión o Patty Smith no servían. La cosa habia cambiado y un grupillo de gentes metidas en el mundillo artístico e intelectual, a los cuales les gustaba por igual Richard Hell, Archie Sheep o la disco music, se pudieron a dar marcha a la cosa. La cosa funcionó poco, incluso se encontraron en serias dificultades a la hora de poder grabar sus creaciones, cosa extraña viniendo de New York, una ciudad siempre dispuesta a ofrecer lo más vanguardista para poder luego venderlo al mundo como algo suyo.
Pero quizás, de todos los grupos o propuestas que surgieron de la No Wave, las que más se distanciaban del asunto eran Bush Tetras. Aunque esgrimían textos con contenido intelectual, usaba el funk como elemento de base para muchas de sus composiciones y se disfrazaban de un cierto melodrama expresionista; también encontramos en las canciones de Bush Tetras ecos muy cercanos de las primeras temas de los Talking Heads o de las distorsiones guitarreras de Robert Quine en los Voidoids, o sea, que casi se puede decir que Bush Tetras son como el último grupo netamente neyorkino de la new wave, pero con la evolución encima. Después de ellas, Sonic Youth.
Bush Tetras son como un cierto eslabón entre Patty Smith o Blondie (en USA), las Slits o las Raincoats (en Inglaterra), con los grupos del movimiento riot girls de los 90. La pena es que tampoco las Bush Tetras tuvieron mucho tiempo ni oportunidades para poder dar más de sí.
Boom In The Night es el cd que recoge las pocas ocasiones que el cuarteto pudo realizar entre los años 1980 y 1983, grabaciones casi todas producidas por el batería de The Clash, Topper Headon. Curiosamente, esta compilación fue editada en su tiempo por el sello Roir que, como dije hace unos días, se especializa en grabaciones en directo, pero por lo que supongo, antes que permitir que estas grabaciones se perdieran, el propietario de Roir decidió editarlas. Y hay que agradecérselo, yo al menos siempre lo hago cuando escucho este disco. Encontramos canciones excelentes y muy excitantes, interpretadas por un grupo con unas ideas muy claras sobre lo que quería hacer. Pat Place tocaba la guitarra de una forma chirriante (en las canciones rock) y de forma muy funk en las de baile; Laura Kennedy se ocupaba de darle al bajo de forma firme, Dee Pop estaba en la batería y la voz, entre fría y esquizoide, de Cynthia Sley. Encontraremos canciones impresionantes e himnos capaces de hacer bailar el pogo en cualquier club como la, simplemente fantástica, Cowboys In Africa; o bien temazos para menear el culo de forma mutant-disco como You Can’t Be Funky. Como no creo que este disco sea muy fácil de encontrar en las tiendas, se tendrá que pedir directamente al sello o, lo mejor será que pongan a la burra a currar y se lo bajen, que está. Y que lo disfruten con salud y alegría.
Ya me contarán que les ha parecido.

llimaz

30 segundos, lo tuyo sí que es proselitismo melómano.¿cuánto tiempo te lleva escribir estos post, sólo para que 4 brutos aprendamos un poco más?
Yo soy especialmente vago, pero creo que lo mínimo que puedo hacer es bajarme el disco de Bush Tetras ( la primera vez que oigo ese nombre) y dedicarle un ratillo.
A ver que tal

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@llimaz:1kl1m4ki:

30 segundos, lo tuyo sí que es proselitismo melómano.¿cuánto tiempo te lleva escribir estos post, sólo para que 4 brutos aprendamos un poco más?
Yo soy especialmente vago, pero creo que lo mínimo que puedo hacer es bajarme el disco de Bush Tetras ( la primera vez que oigo ese nombre) y dedicarle un ratillo.
A ver que tal

Bueno, me lo tomo como una forma de dar salida a mi frustrada vocación de crítico musical. Tardo según la inspiración, hay veces que tardo muy poco y otras que trato de sobornar a las ¿musas? para que iluminen.
Tampoco creas que lo hago para que todos empiecen a descubrir cosas, ya que esto es una decisión personal, solo hablo de lo que me gusta a mi y, si alguien decide oir ese disco, muy bien. Y si luego va y le gusta, pues todavía mejor.

Maurici

De los Bush Tetras sólo tengo algunos temas sueltos y me gustan bastante. A ver si consigo el disco este.

Respeto a Churro y el Soul Mining 1983 de The The comentar q me gusta tb el álbum este. Me lo compré hace poco, lo tenía grabado de disco vinilo de mi emisora de radio y sonaba fatal. Me suele aptecer tb recuprar sus discos Dusk del 1993 y Mind Bomb del 1989 (mi favorito del grupo).

Respecto a Kraftwerk sólo añadir q ese disco Radio-Activity me parece acojonante y de P.I.L. q tengo varios pero ese no. Ya miraré q tal.

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Si en la época, encontrar disco de los Ramones o Blondie era una tarea un poco compleja, complejidad que con el tiempo y viendo como se desarrollaban los acontecimientos fue cada vez menor, con los discos de la No Wave ya os podéis imaginar. Por eso, discos como este fue algo así como untito inalcanzable para nosotros durante mucho tiempo. Ahora, gracias a gente como la de Munster y, como no, otras formas más o menos legales de conseguir música, podemos disfrutar, de forma tardía pero nunca de forma disminuida, de discos como este.
Y es que a este disco no le quita la potencia ni con ácido, ni gaseosa ni agua. Ya pueden pasar 27 años que esto sigue sonando tan fresco, como recién salido de cualquier mente perturbada que quiera mostrar su turbación, o su gamberrismo, en música. Lo cual no se si hasta cierto es malo, porque si tenemos que ver que un disco sigue igual de genial por su total ruptura de conceptos ahora, significa que, desgraciadamente, la cosa ahora sigue estando tan petrificada como lo era en 1979.
¿Qué les voy a comentar a ustedes de James Chance & The Contortions que no hayan oído, leído y visto por doquier? No creo que les descubra nada nuevo, así que lo más probable es que caiga en un sinfín de tópicos de los cuales no quiero dejarme ninguno: creador majareta, total corruptor del lenguaje free jazz para fusionarlo con el punk; total corruptor del punk para transformarlo en funk; total corruptor del funk para acercarlo al rollo arty; total corruptor del rollo arty neyorkino para llevarlo al free jazz (fin del círculo); maestro en enseñar a la peña rockera de que un saxo puede hacer tanta pupa como una stratocaster y también maestro en enseñar a los apoltronados jazzys de que una guitarra eléctrica también puede ser “tocada” de una forma distinta a la de Burell o Wes Montgomery. Lo suyo es un navegar por procelosas aguas de incomprensión, en un turbo lanzado contra todos a una velocidad de vértigo, con la plena consciencia de que la hostia va a ser tan brutal que ni él se va a salvar, pero es que eso le importa tres pares de narices. ¿Qué nadie me hace caso ahora? Me espero 25 años y veremos quien ríe. Digamos que tampoco es que ahora pueda reír mucho, pero algo si. Y no es porque crea que los grupos nuevos que dicen tomarle como maestro este a su altura (angelitos ellos), pero al menos la pequeña congregación de tarados que disfrutamos de sus locuras va, poco a poco, en aumento, Incluso se pueda dar el caso de que quien en su época lo tachara de anacronismo, ahora este por la labor de loarle. ¿Para que? El sabrá.
Bueno, para los que no hayan tenido la oportunidad todavía de oír este disco, decirles que se preparen a oír un aquelarre donde James Brown se pega un tiro en la cabeza, queda trastornado, se llena la chupa de imperdibles y se lanza a hacer funk con navajas afilas en vez de guitarras. Se baila en el filo. Se da una patada contundente a lo más aburrido que uno se puede encontrar en este negocio y se lanza a una desaforada danza en que los movimientos Travolta / Manero no valen: la cosa es bailar funk disco a lo Ian Curtis. Bienvenidos a las discotecas de Plutón, donde no existen bolas de cristal que cuelgan de los techos, sino que desprenden radiaciones que te corrompen en medio de una orgiástica sensación de placer eterno, donde los cubatas están hechos de material biológico de desecho. Esto es punk, nenes, no se si lo podréis entender alguna vez con lustras cabezas de chorlito esculpidas en mil y una revista de tendencias. Esto es funk, para que lo bailéis mientras el mundo es destruido por los que todos sabemos. Es el ritmo que rompe en la discoteca llamada Armagedon. Cuidado con vuestras novias…vamos a por ellas.

Gallo Negro

Eres el puto amo, 30segundos.

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PUBLIC IMAGE LTD: THE FLOWERS OF ROMANCE

Lo dijo hace muchos siglos un hombre sabio, que vivió en Oriente y que no solo le tildaron de loco, sino que muchos dudan de que haya vivido:
…”y las sombras planean por el planeta, el libro de los muertos ha sido abierto y un inmenso hedor a muerte y destrucción pasea por todos los confines. Es la hora de los extraños rituales que, desde hace eones, están dormidos a la espera de que alguien los vuelva a la luz del día y, gracias a ellos, propague los misterios ultrajantes que la humanidad siempre ha querido esconder. 4 fornidos muros, los muros que soportan la civilización, son derruidos a la invocación de los extraños seres que saldrán del fondo de los océanos; invocaciones que solo los muy expertos y los que han dedicado su vida y su salud mental saben donde están: en el capitulo 8 de ese libro hipnótico y demente. Y cuando esta invocación sea dicha, nacerán flores negras con olor maloliente; serán ellas las encargadas de avisar a los humanos de que el fin de su presencia en la tierra está próximo, de que el imperio de caos se avecina y que no pueden hacer mucho por ello. Los creyentes de esos extraños seres que duermen esperando este día que pronto vendrá bailan una extraña y desquiciada danza, se mueven a derecha e izquierda
…derecha e izquierda…
…derecha e izquierda…
…derecha e izquierda…
, al ritmo de unas percusiones que se meten dentro de tu cerebro y te transportan hacia el reino de la locura extrema. Y acompañando estas percusiones, extraños sonidos agudos y desgarradores, chirriantes y aborrecibles, abrigan la voz, o el desafiante clamor, del iniciado que gira y gira mientras no para de invocar a sus maestros deformes y crueles. El sonido infecto e infame no para de sonar, de provocar un estado de catalepsia tal en la que los adeptos no tienen más remedio que entregarse por completo a una ceremonia sangrienta de destrucción.
…Derecha e izquierda…
…derecha e izquierda…
tambores, miles de tambores.
Bajo las casas la tierra se remueve, los muertos que están diseminados por la tierra empiezan a buscar una forma de salir a la superficie y reivindicar el reinado de los muertos y de las sombras, donde el terror y la locura son las normas de conducta, donde no hay compasión ni amor.
Y la locura humana se expenderá por el mundo. Locura que será el preludio de su total exterminio. Millones de gritos de dolor y muerte resonarán por la Vía Láctea, voces y gritos que son el anuncio de la nueva era que viene, la era donde el supremo hacedor, el mal. Y grandes simas de fuego abrirán la tierra, y de ese fuego también aparecerán los próximos señores de la tierra”.
Y nadie podrá hacer nada por nosotros, absolutamente nadie. Ni los ejércitos, ni los políticos…ni tan siquiera Dios. O sea, que lo mejor que podemos hacer es estar preparados para lo que tiene que llegar.

Dedicado a H.P.Lovecraft

Maurici

@30segundossobreTokyo:

PUBLIC IMAGE LTD: THE FLOWERS OF ROMANCE

Muy bueno si señor. Me lo compré en Manresa hace poco por 3 o 4 euros.
Más asequible q depende que otras obras tienen si.

rober

eliminado

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Quizás Space Is The Place no es el mejor disco de Sun Ra. Eso es muy posible, porque el genio de Ra era tan amplio y abarcaba tanto, que decir que un solo disco es el mejor es muy complicado. Tampoco creo que sea el que mejor define su forma de ver el free jazz o lo que el tenia en mente. Pero si es el disco que, de una forma que no traiciona su forma de ver el arte, es el más accesible de los que tengo. Space Is The Place es un buen disco para iniciarse en esa enorme figura que fue Ra, al menos así lo hice yo. Después me fui adentrando en obras mucho más complejas y que precisan de una escucha mucho más trabajada. Pero no por ello la obra de Ra se tiene que considerar imposible de atender por su complejidad. Al fin y al cabo, todos estamos más o menos avezados en músicas “difíciles”.
Bueno, al meollo. Intentar presentar a Sun Ra es, como mucho, complicado e inútil, ya que todos lo conocemos de sobra. No solo por su extravagante look, sino porque su imaginería cósmica a sido difundida en muchos lugares. Los puristas del jazz lo consideran “un bicho raro”, y en cierta forma lo es. Digamos que Ra cogió lo que Coltrane interpretaba como algo místico y él le dio algo así como una razón de peso para toda su visión del free. Digamos que Ra tomaba lo que Coltrane proponía y lo llevo a terrenos mucho más avanzados, tanto que se adentro en sitios donde la cosa estaba todavía yerma. El caos y la corrupción de toda norma musical esta presente en su música, es como si Ra fuera el padre putativo de una escena noise que, tiempo después, le tomaría como maestro. No es extraño que, cuando murió, miembros de Sonic Youth realizaran un programa de radio de 24 horas seguidas con la obra de Ra.
Pero, ¿que nos encontramos en este disco? Habría de diferenciar dos partes:

la parte que va de la canción 2 hasta la 4. Aquí se encuentra el Ra más jazz, con claros elementos free e, incluso claros ejemplos de también Ra era un director de big bang. En Images, la Astro Intergalactic Infinity Arkestra funciona como si fuera la orquesta de Ellington o la de Gillespie, solo que en clave de free más o menos ordenado o no, según se van calentando.
La parte que comprende el primer corte y el quinto. Aquí está el Ra genio y figura, el de sus devaneos cósmicos, el de sus coqueteos con la mitología egipcia y todo eso. En el tema que da nombre al disco (un estupendo tema de 21 minutos), incluso se permite intercalar cantos étnicos, como si tratara de mostrar la conexión entre los extraterrestres y los antiguos pobladores del a tierra. Y esos cantos son indudablemente la raíz negra del jazz, raíz presente en la música de Ra aunque parezca que se vaya a los cerros de Urano.

Space Is The Place, el tema, es un hipnótico cuelgue que esta a medio camino de los cantos tradiciones negros africanos, de las bandas callejeras de New Orleáns, del free jazz más avanzado, de las expresiones musicales que buscan el éxtasis a través de ellas y, por fin, la conexión con lo que hay más allá de la atmósfera terrestre.
En el fondo, este tema es muy divertido. Me imagino la juerga en el escenario con 15 personas tocándolo.

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Lo primero que tengo que decir es que para mi es una verdadero placer poder hablar de este disco. Es disco que me ha acompañado durante mucho tiempo en diversas etapas de mi vida y al que tengo un cariño muy especial.
Este disco es, quizás, de los pocos que tengo dedicados a las baladas o canciones románticas, pero si que es el más romántico que tengo, al menos es el que me produce sensaciones tildadas de esa forma.
A finales de 1962 y principios del 63, Coltrane esta en un proceso de transición. Edita 3 discos compuestos en su integridad a baladas y este es el único en toda su carrera en que se hace acompañar por un cantante. El resto del grupo lo compone el que sería una de las formaciones míticas de toda la historia del jazz, a saber: Trane al saxo, McCoy Tyner al piano, Jimmy Garrison al bajo y Elvin Jones a la batería.
No se porque Coltrane se decidió hacer una excepción con Hartman y grabar un disco con voz humana, ni tampoco porque se decidió por un cantante que, por aquel entonces era un desconocido. Pero después de escuchar este disco, las posibles dudas acerca del porque de esa decisión se despejan de forma rápida y contundente: la voz de barítono de Hartman se une perfectamente al fraseo del saxo tenor de Coltrane. Hartman posee en su garganta, no solo las características técnicas exigibles en la voz humana, sino que también posee técnicas de fraseo que posee el saxofón. Parece como si Trane supiera que, en el fondo, es un disco con dos saxos, pero solo hay uno presente en forma física.
Esto queda patente de forma total cuando Hartman alarga las notas, en los susurros y en las bajadas de tono. Pero, ala vez, también es un disco de dos cantantes, uno en forma humana y otro que no; en muchas ocasiones Coltrane lo que hace es “cantar” el tema, de una forma tan delicada como firme.
Pero para mí, lo más importante del disco, no son estas cuestiones técnicas. Si, este es el típico disco que uno se pone cuando quiere hacer eso tan peliculero de una cena romántica con velas, pero es que cuando se escucha de forma privada y atenta, el saxo de Coltrane acaricia tus oídos, cuando la voz de Hartman te da la mano y te adentra en unas sensaciones tremendas. No es un disco dramático, no hay canciones de rompe y rasga, es un disco de una elegancia brutal. La sección rítmica mece el conjunto con altas dosis de humildad, sin querer, ni por un momento, salir de su papel de apoyo, importante si, pero secundario en la historia. Solo el piano esta un poco más presente a lo largo del disco.
Este disco esta lleno de eso que es tan raro de ver ahora aunque mucha gente la reclama para si: belleza, ternura y exquisitez. Es tan bello, tan harmonioso, que hasta los silencios son estremecedores (la versión de My One And Only Love, con esa introducción de Trane solo, es algo que con solo recordarlo me produce sensaciones increíbles). Y, amigos, toda esta magia se grabo en un solo día. Creo que magia es una palabra muy precisa para tratar de definir todo lo que se encierra en este disco, desde la creatividad de los músicos, los arreglos de las canciones, la producción (importantísima y que forma parte muy directa del resultado final del mismo), etc. Y esa magia sale en cada una de las notas para entrar dentro de cada una de las personas que lo escuchan.
En fin, que como decía al principio, me produce gran placer hablar un poco de esta obra cumbre del jazz vocal, pero a la vez, uno de los discos más hermosos que tengo en mi colección. Si ustedes quieren participar en esta corta pero absoluta maravilla sonora, quedan invitados a sumergirse en este continuo torbellino de sensaciones, en la magia de la música hecha sentimiento, la más tremenda colección de canciones jamás grabadas.

30segundossobreTokyo

Mientras que Coltrane recorría ese camino de transición hacia lugares que no conocía en ese instante, otros jóvenes músicos abrían la puerta por la que, al cabo de un corto tiempo, Coltrane no solo se adentró, sino que también cambió y revolucionó. Cosas de genios.
En 1961, la conciencia afro americana ya estaba del todo en su punto álgido. Ya se acabaron los tiempos en que tenían que tragar y tragar y ya no estaban dispuestos a seguir con esa infame tradición. Poco a poco, y por todo el país, se fueron quitando yugos, caretas y perjuicios, salieron líderes que clamaban a los cuatro vientos que la cosa ya había acabado y que la población negra tenia que sacar su orgullo y no dejarse pisotear ni por nada ni por nadie.
Estos vientos también soplaron en los círculos jazz. Los blancos no solo hacia tiempo que habían entrado en él, sino que empezaban a creer que se podría apropiar del estilo y de todo lo que él significaba. El Cool jazz y la escena de la Costa Este así lo indicaban, el dominio de las bis bañas dirigidas por blancos, haciendo música inspirada en el jazz pero con miras al público blanco, hacia desvirtuar todo lo que de conciencia negra siempre tuvo el jazz. Los leones del bebop p el hard bop poco podían hacer contra ello. Muchos de ellos, por cosas del negocio, ya estaban metidos dentro de un engranaje comercial que les impedía manifestarse tal como ellos querían y, porque que no decirlo, ya eran estilos desarrollados que no hacían más que retroalimentarse y repetirse. Se imponía una revolución, y esa revolución llego de la mano de un joven saxofonista nacido en Texas en 1930: Ornette Coleman.
Se trataba de revolucionar el jazz tomando como base uno de los principios básicos del mismo: la libertad creativa del músico como núcleo principal de todo. Y al pie de la letra Coleman decidió que ya era hora de romper cánones y reglas. Su primer torpedo a la línea de flotación fue Shape Of Jazz To Come, junto al trompetista Don Cherry. Pero su segundo disparo fue más certero porque todavía dio un paso más adelante, le puso un nombre a todo ello: Free Jazz.
Par realizar este disco, realizó un experimento sonoro que, actualmente, todavía sigue siendo una auténtica bomba: creo dos cuartetos y los puso a tocar a la vez, con lo que en el canal derecho se puede oír a: Eric Dolphy (clarinete bajo), Freddie Hubbard (trompeta), Charlie Haden (bajo) y Ed Blackwell a la batería.
Y por el canal izquierdo: Ornette Coleman (saxo alto), Don Cherry (trompeta de bolsillo), Scout LaFaro (bajo) y Billy Higgins (batería)
Pero este disco, para los que hayan oído free, es bastante diferente a lo que se acostumbra a denominar free, por estas razones:

-no es caótico: las piezas (hay una pieza de casi 40 minutos y, en la versión cd, una primera toma de 17) tiene una estructura clara, con lo que, a pesar de haber una gran dosis de improvisación, los músicos parten de algo ya establecido de antemano.

-no es atonal: las notas siguen las escalas normales y todas van al mismo tiempo de una manera formal y establecida

-no carece de melodía: hay un montón de melodías encerradas durante todo el minutaje, melodías que van de un lado a otro y son arregladas convenientemente por cada uno de los músicos.

-no es arrítmica; posee swing y, en algunas ocasiones, es bastante groovy, se puede seguir perfectamente el ritmo

-no tiene ninguna dificultad para ser oída: no hace falta ser tener un grado de inteligencia alto para seguirla, es solo cuestión de dejarse llevar.

A partir de este disco y del anterior, nada seria igual. Los músicos de jazz vieron en el free la forma de dinamitar conceptos y corsés e, con el paso de los meses, incluso algunos se atrevieron a dinamitar también los parámetros que Coleman había establecido con estos dos discos al entrar en territorios mucho más experimentales ( atonalidad, ningún uso de la melodía, destrucción del tempo y ritmo, investigación dentro del caos, etc ), e incluso Coltrane utilizó esta nueva música para llevarla a un plano distinto al social que proponía Coleman: el plano espiritual. Pero esa es otra historia.

pumpkin57

Ostias, por fin tengo alguno de los discos que comentas, 30. Compré a ciegas el Free Jazz de Coleman, sabía que era bueno pero nada más. Me quedé a cuadros cuando escuché a un cuarteto diferente por cada canal. Y lo más sorprendente, tal y como apuntas, es que a pesar del título del álbum y de la rompedora manera de grabarlo, se trata de un disco bastante accesible. Es un auténtico torbellino de melodía y ritmo. En el fangal posterior del Free Jazz más subversivo todavía no me he metido…
Y el disco de Johnny Hartman y John Coltrane... Mira, ya lo has dicho todo, y yo no voy a poder hacerlo mejor, así que me limito a constatar que es un álbum precioso en el que acurrucarse una vez tras otra. Probablemente no hay mejor escudo protector de la mierda que nos rodea. Ojalá el mundo fuera siempre como este disco.

30segundossobreTokyo

me alegro de que compartas tu críterio conmigo con respecto a estos dos discos. A Ornette habria que traerlo al Primavera porque se lo merece muchísimo.
En cuanto a Coltrane / Hartman tienes toda la razón, es un hermoso escudo.

Rumsas

(… creo que otra vez que nombraste a Sun Ra contesté lo mismo, en cualquier caso me repito): No creo que sea tan complicado traer a Mashall Allen y la Arkestra, joder, que han tocado en Huesca