Piel de gallina
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Es completamente imposible encontrar la más mínima información acerca de Mercantan. Por lo que se puede adivinar, solo sacaron este disco y volvieron a las sombras, las mismas sombras que les inspiración este tremendo disco, pero no se quienes eran, sus nombres y de que procedencia geográfica venían. IX fue editado por el sello alemán Drag & Drop en 1995 y, enseguida que cayó en mis manos por cauces raros, no he podido resistirme a su embrujo. Porque no cabe dudad de que lo que produce este disco es eso: un estado de hechizo y fascinación que dura mucho tiempo.
El libreto del cd es parco y austero, si. Pero sus fotografías en blanco y negro reflejan fielmente de que va el asunto: bosques tupidos con arboles antiguos, rodeados de raíces que trepan y se agarran a sus tallos; paisajes de instalaciones industriales y de zonas donde la naturaleza a dejado paso al humo y la contaminación; estructuras metálicas y piezas industriales varias…
Como veis, estamos ante un disco industrial, pero no es industrial al concepto Throbbing Gristle, tiene mucho más a ver con el Dark Ambient, pero tampoco es el Dark Ambient que domina la escena actual. Hay bellos pasajes rítmicos realizados con agua, ritmos que proclaman un cierto ritualismo industrial; hay sonidos creados con metales, etc.
Pero, como he comentado anteriormente, todo estos está al servicio de la creación de una atmósfera que va envolviendo al oyente de forma sinuosa, casi como un vapor que va entrando tanto por tus oídos como por otros conductos corporales. No opta por el tremendismo ni por sonidos apocalípticos. Es una bella música gris, la música ideal para poder pasear, tanto física como con la imaginación, por esos parajes cerca de los ríos, donde la naturaleza convive, de una forma un tanto mutante, con la demoledora acción del hombre.
Hay pasajes de una extraña melancolía, de un romanticismo extraño, inquietante. Five Degrees Cemigrade, por ejemplo, es una pieza muy ambiental donde el piano es acompañado, de una forma rítmica pero en segundo plano, por el sonido de maquinaria industrial, creando un tema muy intenso. O el tema más largo del disco: Moor Leidtzen, donde tras una introducción poco a poco vamos entrando en un increíble mundo de sonoridades sombrias.
Por lo que se, este misterioso disco, con el tiempo, se está convirtiendo en una pieza de culto entre los aficionados a este estilo. No me extraña en absoluto. -
Siempre he tenido curiosidad por saber cómo se resolvía en la edición en vinilo de Free Jazz la ruptura entre cara A y cara B. ¿Con un sencillo fade out / in?
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Cornelius Cardew es, sin duda, un reflejo de los devenires que la música contemporánea sufrió después de terminada la segunda guerra mundial.
Para empezar, una breve semblanza biográfica.
Cardew nació en 1936 en Witchcombe (Inglaterra). En 1958 ganó una beca para estudiar música electrónica en Colonia y fue entonces cuando se convirtió en asistente y alumno aventajado de Stockhausen, colaboración que duró hasta 1960.
Su relación con Stockhausen fue muy peculiar, de la admiración primera paso a convertirse en un feroz oponente. En 1961 vuelve a Inglaterra y pone en práctica sus teorías contrarias a las normas del germano, colaborando con AMM, el trío de improvisación y realizando música experimental. Fue el que realizó conciertos con obras de Cage, La Monte Young, Rilley y del propio Stockhausen. Mientras realizaba estudios en el Morely College, forma junto a Howard Skempton y Michael Parsons, la Scratch Orchestra, un grupo de músicos profesionales y amateurs que buscaban realizar piezas liberales de propia autoría y de otros compositores. En esa Scratch se apuntaron nombres como Michael Nyman o Brian Eno, por citar solo a los más conocidos. Una de las constantes de la buida de Cardew fue su fuerte compromiso político de extrema izquierda. Fue militante comunista durante un largo período de su vida, pero en 1971, tanto él como la Scratch toman partido de posturas maoístas. Esto conlleva el repudio por su parte de los puntos de vista de Cage, Stockhausen y de sus propias obras del pasado. No dudan en tildar esas obras como “burguesas” y empezó una aproximación hacia posturas populares, haciendo conciertos en las calles o encima de camiones, adaptando canciones populares chinas y crear grandes obras basadas en canciones de protesta. En 1979 fundó el Partido Comunista Revolucionario Inglés y, mientras estudiaba para obtener un master musical en el King’s Collage, fue atropellado mortalmente.
The Great Learning es una de sus obras gigantes del periodo post alemán, junto a Treatise (obra de la cual los Sonic Youth realizaron una interpretación que se encuentra en su cd Goodbye 20th Century del 99). The Great Learning (el gran aprendizaje), es uno de los 4 libros clásicos del confucionismo y su duración total era de 7 horas. Es una obra coral que incorpora experimentación en terrenos modales y tonales y, para interpretarla, la Scratch tuvo que aumentar el número de componentes hasta 40 miembros. Como curiosidad se puede decir que el terminó “minimalista” fue acuñado por primera vez por Nyman al referirse a este trabajo y al que Cardew estaba realizando en ese periodo.
Debido a su enorme duración, no existe ninguna grabación de The Great Learning en su totalidad, pero si que existe una interpretación a cargo de la propia Scratch Orchestra, realizada en 1971 para el sello alemán Deutsche Grammophon (y remasterizada hace muy poco) de dos partes de la obra: el Parágrafo 2 y el Parágrafo 7. En el primer parágrafo encontramos al coro luchando entre una amalgama incesante de percusiones casi tribales, las voces se inspiran también en la tradición vocal de otras culturas para crear una sensación hipnótica total. En el segundo parágrafo solo encontramos a la voz humana como único instrumento, creando capas de sonido planeante y tranquilizador y es, sin duda alguna, la antesala, junto a trabajos de Harold Budd, de lo que Brian Eno luego desarrollo y bautizó como ambient music.
El disco se completa con dos piezas del compositor David Bedford, contemporáneo de Cornelius y cuyas dos obras recogidas aquí están inspiradas en sendos poemas de Kenneth Patche. Decir que Bedford es también conocido por haber colaborado con Mike Oldfield en su celebérrimo Tubular Bells. -
Joder, 30secs, te juro que da gusto leerte…
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Veremos como sale esto hoy, porque llevo una empanada mental de la hostia. Un mal día, amigos…
Si existe una música contemporánea claramente americana, pero que saltó las fronteras hasta convertirse en uno de los referentes de la música del siglo XX, es la llamada música minimalista repetitiva. Un día tendremos que hablar de que la música contemporánea es la música clásica americana por excelencia, pero eso otro día.
A principios de la década de los 60, los jóvenes músicos americanos contemporáneos descubrieron dos músicas que les cambiaron la forma de ver y crear su música y, a la vez, darle una forma autóctona. La Monte Young y Terry Rilley, junto a otros, descubrieron la música tradicional hindú y la tradicional balinesa o de la isla de Java. Con estos descubrimientos vieron que podían alargar los tiempos de sus composiciones creando algo parecido a los mantras (por un lado) y descubrieron que, con los instrumentos de percusión, podían regirse bajo una impronta de improvisación que realmente no existía. El Gamelán, la música tradicional de Bali y esa zona de Indonesia, es una de la música más elaboradas, complejas y bellas que existen, pero requiere de una alta concentración y exactitud en su realización a pesar de, insisto, su cierta impronta falsa de improvisación. A finales de la década de los sesenta, Reich (muy interesado desde siempre en la música africana y asiática), desarrolló la técnica llamada “de fases”, en donde dos o más instrumentos interpretan una frase idéntica pero a velocidades diferentes. Este procedimiento fue utilizado por Reich en Piano Phase (1967) para dos pianos y especialmente en su obra más destacada de este periodo: Drumming (1971), composición de 70 minutos en cuatro movimientos para bongos, marimbas y celesta. En la década de 1970 su estilo fue evolucionando con el uso de frases rítmicas que se interpretan a una misma velocidad pero en forma de canon, para formar una textura compleja a partir de un material sencillo. Estos recursos fueron utilizados por Reich en Music For 18 Musicians (1976), considerada como la partitura que otorgó al minimalísmo una renovada riqueza armónica, rítmica y sonora.
Una de las primeras obras que oí de música contemporánea fue esta, una composición de 56 minutos y, digamos, los resultados que la audición de este disco no solo me indujeron a buscar y descubrir más cosas dentro de este campo, sino que considero que es una obra maestra de tempo y de conjunción musical entre diversas personas.
A oídos no experimentados puede llegarse a cree, de forma muy errónea, de que cambia nada en todo ese minutaje, Falso: la base rítmica se mantiene inalterable, pero los demás instrumentos hacen entrar distintas tonalidades, formando diferentes parajes sonoros, que hacen de la escucha uno de los más grandes placeres que, personalmente, he tenido el gusto de oír.
Existen unas cuantas versiones de esta composición, incluida una regrabación del mismo hecha por el mismo Reich en 1996 y editada por el sello Nonesuch. Esta es la primera que tuve. Pero recomiendo sobremanera la original, realizada por Reich y su Steve Reich And Musicians en 1978 y editada en el sello ECM y les aseguro que realizarán un auténtico viaje de placer por el maravilloso mundo del sonido. Déjense de tonterías, no es compleja, ni hay que hacer el pino para entenderla. Como he dicho muchas veces, solo hay que acomodarse bien, ponerse los cascos (obligatorio para no perderse nada y no perderse en nada), pulsar el play, relajarse y la música ya hará el resto. Una auténtica maravilla de luminosidad y alegría, componente este que hoy necesito urgentemente. -
Te ha quedado bien, no te preocupes. Obra magna, no admite discusión.
Y, como dices, totalmente accesible.
Salvando las distancias (muchas) me vienen a la cabeza otros dos discos con los que encuentro un remoto paralelismo: Gabin Bryars y su Jesus' Blood Never Failed me Yet o el reciente OV de Orthrelm. -
del primero oí, hace mucho tiempo, una versión que acompañaba a una versión reducida de The Sinking Of Titanic. La tiene un amiguete que me la prestó y luego encontré una edición con la composición del Titanic sín la otra. Tendré que bajarmela porque me gustó muchisimo. La otra no la conozco, ¿me puedes hablar de ella, por favor?.
Gracias -
me he puesto ainvestigar en el emule y veo que hay una versión de Jesus' Blood Never Failed Me Yet con Tom Waits, pero me bajo una del 93. Ole Ole.
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@30segundossobreTokyo:1mq2uenu:
me he puesto ainvestigar en el emule y veo que hay una versión de Jesus' Blood Never Failed Me Yet con Tom Waits, pero me bajo una del 93. Ole Ole.
Yo tengo la versión del Jesus' Blood Never Failed Me Yet con Tom Waits… No sé si me acojona más de lo que me fascina o viceversa, pero en todo caso vale la pena...
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Steve Reich DEBE estar en el primavera este año.
El 27 de mayo toca en italia con kronos quartet. Si no lo pillan es porque no quieren.
Lo unico malo es que, al tocar en barcelona en Marzo, no creo que venga dos veces en tan poco tiempo. -
No soy bueno describiendo música, 30 segundos. Te diré simplemente que es un disco compuesto por una sola canción (je.) de aproximadamente 45 minutos y que ha causado cierta controversia. Por un lado, algunas publicaciones lo elevan al grado de obra maestra. Mientras, otras voces apuntan a un producto menor, extremadamente presuntuoso y destinado exclusivamente a oídos trendies, que desarrolla un repetitivo y estridente mantra sónico sólo apto para masoquistas.
¿Mi opinión? Creo que lo habré escuchado unas cuatro veces desde que me hice con él: no me posicionaría en ninguno de los extremos, eso sí te lo puedo decir.
Orthrelm está compuesto por la hoy habitual formación guitarra/ batería (lightning bolt, hella, yellow swans, mouthus). El guitarra tiene un proyecto paralelo en solitario, Octis, del que tengo un album (no me preguntes el título, porque se las trae) paradójicamente compuesto por algo así como 36 temas condensados en unos 20 minutos.
Bueno, en cualquier caso, aquí tienes una muestra para que, al menos parcialmente, lo saborees por tí mismo.
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Hoy no tengo la cabeza en mi sitio. Me bajé el OV hace unos días, pero todavía no lo he oido.
Pixie, informamé más acerca de eso que dices acerca de una actuación de Reich en Barcelona en Marzo, por favor. me interesa mucho. -
Bien, he estado investigando:
Mar 1 Music for 18 Musicians, New York Counterpoint
part of Steve Reich Festival in Barcelona
Ensemble Barcelona 216 cond. by Frank Ollu
Auditori - Barcelona, Spain¿Vendrá el o es parte de un festival?
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En 1971, Gavin Bryars vive en Londres y, junto a su amigo Alan Power, trabaja en una película dedicada a mostrar a la gente que vive al raso en un área concreta de la ciudad. Durante el transcurso de ese rodaje, tuvieron la oportunidad de grabar a un buen número de personas que, bajo los efectos del alcohol, cantaban trozos de ópera o baladas sentimentales entre otras cosas, pero, entre medio de esta gente, había una persona que no parecía estar alcoholizada que cantaba una una canción religiosa llamada Jesus' Blood Never Failed Me Yet. Esta grabación no se utilizó en el film, pero Bryars se quedó esos fragmentos grabados.
Pocos días después, y de forma inesperada, Bryars se encontró cantando está canción mientras tocaba el piano y se decidió a componer un acompañamiento simple. Viendo que la cosa podía dar más de si, decidió crear algo más sólido y se dirigio hacia un estudio de grabación donde creo un loop con un pequeño fragmento de esa canción cantada por el vagabundo y, más tarde, crear una orquestación larga para acompañar ese loop.
Lo que se creo fue una extraordinaria obra donde el factor sentimental y emocional pasa por encima de cualquier juicio técnico frío. Como en la anteriormente comentada en este post The Sinking of the Titanic, el sonido de la música fluye de una forma suave y continua, no hay altos ni bajos ni momentos álgidos. Aquí se trata de acompañar el loop con la voz del vagabundo que recita unas estrofas de la canción. Pero aunque estas estrofas se repiten un buen número de veces, gracias a los pasajes musicales parece como si cada vez que la voz repite la estrofa la diga con un significado, una vibración y, sobre todo, con una emoción distinta a las otras.
En pocas ocasiones la música a podido reflejar la amargura, el desasosiego, la tristeza; la narración en notas y en unas pocas palabras del devenir por la vida de un ser humano que ve el final próximo, pero que lo ve como una forma de esperanza y alegría, un ser humano que trata con su hilo de voz obtener una brizna de apoyo y cariño. Bryars propone una catarsis emocional al oyente, propone sumergirse en el interior mismo para tratar de recuperar, aunque sea solo durante unos minutos, algo tan humano como es la compasión y la ternura hacia el ser humano mismo, ese ser humanos desvalido y que necesita de comprensión o, porque no, nosotros mismos que, debajo de todos nuestros atavíos culturales y educacionales, tenemos siempre la urgente necesidad de encontrar esa razón por la cual levantarnos cada día.
En estos foros escribiremos mucho sobre la música como un cierto elemento de competencia entre nosotros. Los medios de comunicación siempre tratan de mostrar la música como algo que hoy se oye y mañana se olvida, algo que tiene poco que ver con la esencia misma del ser humano, pero como es el caso de esta luminosa obra, la música también es, aunque es para todos nosotros muy fácil de olvidar, un vehiculo indestructible de la expresión y la emoción humana… -
Morton Feldman es uno de los grandes nombres de la música del siglo XX que realizaron su trabajo en USA. Compañero de Cage, juntos realizaron la gran revolución conceptual de la música. A diferencia de Cage, Feldman, en el transcurso del tiempo, se inclinó hacia composiciones largas e, incluso, monumentales, como su Cuarteto de Cuerda nº 2, en un solo movimiento, de 6 horas de duración.
Casi al final de su vida (falleció en 1987), concretamente en 1981, escribió la que es, posiblemente, la composición más rara, inescrutable y poco interpretada: Patterns In A Chromatic Field. Esta es una composición de 80 minutos para piano y chelo (las primeras interpretes fueron Marianne Schroeder y Rohan de Saram) donde encontramos todo un arsenal de cambios de tempo, tempos muy marcados, por cierto, repeticiones y silencios abrasadores, cromatismo en las escalas y, en ciertos aspectos, una complejidad disfrazada de sencillez.
Patterns In A Chromatic Field es, anímicamente hablando, una composición tensa y extrema. Tensa y extrema tanto para quien la interpreta como para el oyente. La obligación de estar pendiente de cada cambio o sinuosidad de la partitura hace que el oyente no pueda casi ni pestañear para no perderse ni un solo ápice de todo lo que sucede. Para el músico, es un ejercicio de concentración y tensión casi llevado al límite. Los dos intérpretes han de estar en unas condiciones de concentración y silencio tales, que hace que tanto la audición como la interpretación de la pieza sea como un trabajo de artesanía en una pieza única.
Quizás estos elementos tan únicos de la pieza fue lo que motivó a John Zorn a hacer una excepción en su “manía” hacia Feldman y apadrinar la grabación en su sello Tzadik de esta pieza, interpretada por Charles Curtis (chelo) y Aleck Karis (piano). En su interpretación se puede observar de una manera clara que esta composición es como el texto de un antiguo libro lleno de textos de difícil lectura, con claves misteriosas y párrafos ocultos que hacen que tanto el experto como el que se acerca por primera vez a esta pieza quede absolutamente hechizado por ella. La calidad de la grabación del disco también ayuda a aumentar esta sensación: no es una grabación “limpia”, en su sonido hay una especie de velo tenue que hace que todas esas sensaciones se multipliquen.
No es una pieza fácil, requiere de diversas escuchas y, sobretodo, de una implicación emocional del oyente muy peculiar. Y lo más grande de todo este asunto es que esta composición, interpretada por este dúo en directo, no solo sigue guardando todos esos componentes anteriormente dichos, sino que aumentan mucho más. El año pasado estos dos músicos interpretaron en Barcelona esta composición y os puedo asegurar que fue como practicar un rito oculto. Éramos pocos, muy cerca de los artistas, viéndoles como fluía una extraña conexión entre ellos y nosotros, pero con la sombra e algo inexplicable volando encima de nosotros. -
@30segundossobreTokyo:2rgjvfvq:
Morton Feldman .
30" Así q fuiste a su concierto de Barcleona? Veo por lo q escribes q te gustó.
Mi hermano era de los de la organización.
Ya te pasaré algún cd con sus obras de música contemporánea (de mi hermano). -
¿de arco y flecha? Buena gente, sobre todo Marta y Sergio…
Sí, me gustó un montón. -
@30segundossobreTokyo:39fya9jr:
¿de arco y flecha? Buena gente, sobre todo Marta y Sergio…
Sí, me gustó un montón. El estuvo con los de Arco y Flecha. No es de la promotora. Estaba por allá metido ayudando y todo eso. Es q ahora no está en casa y no te lo puedo explicar mejor.
Ya te contaré con un privado mañana o pasado. -
ok
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mañana cambiaremos radicalmente de tercio…
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