Piel de gallina
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Una de las cumbres del power pop americano ________otra joya en su version mas country __________ su último disco recien sacado y actualmente de gira por aqui
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@stooge:1kqlok5o:
@pumpkin:1kqlok5o:
mmmm….
Abrimos un club de fans de Bruce Springsteen?
No es lo más cool del mundo, pero a mi me sigue poniendo paloteSomos unos cuantos no?
Me apunto al club…y la edicion de 30 aniversario de born to run, es simplemente una delicia para los sentidos. Vaya DVD Eso si que es de piel de gallina
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@stooge:lm0r6r4j:
@pumpkin:lm0r6r4j:
mmmm….
Abrimos un club de fans de Bruce Springsteen?
No es lo más cool del mundo, pero a mi me sigue poniendo paloteSomos unos cuantos no?
No hay nada que me ponga el viento en las velas cómo lo hace el estribillo de Sherry Darlin':
You can tell her there’s a hot sun beatin’ on the blacktop
She keeps talkin’ she’ll be walkin’ that last block
She can take a subway back to the ghetto tonight
Well I got some beer and the highway’s free
And I got you, and baby you’ve got me.
Hey, hey, hey whataya say sherry darlin’
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Me gusta más la portada original, con el grabado con Anubis de una tumba de la XX dinastia, pero no ha habido forma de encontrarla.
Henry es uno de los maestros de la músico del siglo XX, junto a Cage, Stockhausen, Varesse, Xenakis y otros muchos. Quizas es el nomnre más popular de los músicos francófonos que, despues de la guerra mundial, iniciaron el camino de la experimentación musical con un solo ingrediente: la electrónica. Electrónica en esta embrionario, con ordenadores enormes y todo un sinfín de difilcultades técnicas, pero con una arrolladora imaginación.
Alumno de Schaeffer, Henry es el continuador y el que desarrolló la idea de la música concreta ( tomar sonidos grabados y manipularlos ), llevandolá hasta terrenos muy abiertos. Pero, a diferencia de su maestro, Henry es un músico que sabe hacia donde tiene que llevar el sonido y como construirlo.
Obsesionado con el tema de la muerte en su sentido literario, Henry compuso The Voyage inspirándose en el libro tibetano de los muertos en 1992 y estrenó está composición inspirándose en el libro egipcio de los muertos en 1990.
Este no es un disco para escuchar de una forma "normal". No es para tenerlo como música ambiente o como se escucha normalmente un disco. Si se escucha así, se pierde el 50% de su riqueza. Se recomienda, y mucho, el uso de auriculares como llave de entrada al mundo que propone Henry. Un mundo donde el sonido envuelve de forma total al oyente, llevandolo de un lado al otro de forma calculadamente caprichosa. El sonido en estado puro.
Contiene parajes desoladores y tétricos, otros con espectros cegadores de luz. La imaginación del oyente se dispara hacia formas lumínicas insospechadas, colores sonoros de imposible visión consciente. Es una obra fantasticamente visual, de una visión que solo se puede ver con la luz cerrada y los ojos igualmente cerrados.
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Ya que veo que han puesto los post culturales como post-its, arriba del todo, estaría bien que hicieran lo mismo con este, que es de los más interesantes
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por fin lo entiendo, veía que no estaba por fechas y pensaba que esto se había jodido, no me había fijado en que estaban como post-its
este merece estar con el reto de posts "piel de gallina", por supuesto
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Nadie, absolutamente nadie que se dedique a la música industrial es profeta en su tierra. E incluso me atreveria a decir que nadie que hace este estilo musical es profeta en este planeta. Aún recuerdo las palabras de un periodista británico en un documental de la serie sexo y música pop emitida hace un par de meses en el Canal 33, hablando de SPK, que decia que la música industrial no solo no era música, sino que tendria que estar prohibida y perseguida. Angelito criatura. Este moviemineto esta condenado a la total incompresión de los mass media ( medios que luego utilizan varias de las estratagemas creadas por los músicos industriales,por cierto ) desde que Marinetti, Russolo y otros visionarios italianos crearón el futurismo a príncipios del siglo XX. Un siglo después, sus propuestas son todavía incompredidas y rechazadas por una sociedad todavia establecida en posiciones del siglo 19, sociedad que se las da de adelantada y moderna, pero que todavía sufre el yugo de la moralidad, la religión y otras lindezas por el estilo.
Bien, dejo esta parrafada, pero en el fondo esto es lo que siempre les ha sucedido a Arturo Lanz y los otros componentes que han ido creando la leyenda de Esplendor Geométrico. Y como es sabido, no puede ser en otro sitio que en el país donde existen unas convenciones y una moralidad carca más arraigada, donde nazca y crezca uno de los proyectos más provocadores, audaces, innovadores y visionarios de la última mitad del siglo pasado. Y eso no solo lo digo yo y sus seguidores hispanos ( pocos, pero orgullosos ), sino totems de la música experimental, en su lado más contundente o provocativa, de Alemania, Francia, Inglaterra, Japón, Bélgica, Holanda, USA y de otros muchos paises. Para ellos, Esplendor Geométrico es un auténtico referente y unos credaores natos.
Ahora que se comenta (bueno, ya llevamos unos meses haciendolo), de que pronto habrá un disco nuevo y que, posiblemente, Lanz y Evangelista vuelvan a hacer algún concierto en directo, es el momento de disfrutar de esta gran antologia de su trabajo, donde se pueden encontrar, ademas de canciones de sus discos oficiles, algunas piezas históricas y material raro. Disco este que sirve tanto para el seguidor de toda la vida y que no tenia piezas como las grabadas en su primera cassette del 81, como para el mozalbete que quiere entrar en el mundo maldito / maravilloso / pernicioso de la música industrial o de la música electrónica auténtica y con sustancia ( no las chorradas de los dj's y tonterias de estas ). See the future now… is raw and dirty.
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¿El punk nació en mediados de los 70? Juas juas. En 1962, un lituano residente en New York llamado George Maciunas declara el nacimiento de una nueva corriente artistica a la que bautiza con el nombre de Fluxus (significa flujo, diarrea, movimiento imparable hacia un empeño más ético que estético). Se inicia uno de los periodos artisticos más corrosivos e insuperables del siglo pasado, tan comparable a la explosión del dadaísmo o del surrealismo, movimientos con los que Fluxus está muy emparentado. Tomando a Ubu como icono y faro de de su existir, los artistas que van llegando a su seno practican la destrucción y aniquilación de cualquier forma de arte preestablecido, el abandono de los museos y el acercamiento definitivo del arte a los humanos. Todos los elementos a mano son útiles y sirven para la creación. Las obras no han de ser inamovibles, duraderas ni nada de eso. Es el imperio del happening, de la creación instantánea que dura lo que dura el evento. Es el insulto y la falta de respeto a los artistas "contemporáneos" que están aposentados viviendo del momio (famosa es su campaña anti Stockhausen debido a unas declaraciones suyas declarando al jazz "música primitiva y sín valor"), Los artistas Fluxus no son especialistas ni gente más "inteligente" que los otros, solo son personas que dan el salto al otro lado, dejan de ser meros observadores y pasan a la acción.
La música, como otra forma de expresión artística, pronto forma parte del movimiento. Pero, tal como hemos dicho, son composiciones o improvisaciones que solo duran lo que dura el acto,por lo tanto, no hay muchas grabaciones de esa épca. Partiendo de las enseñanzas de John Cage, los músicos Fluxus empiezan a interesarse por el ruido y la utilización de objetos o instrumentos no musicales para la creación sonora. Así, el papel, las máquinas de escribir o otros y mil y un objetos están presentes en ellas. Todo en pos de la creación libre y anárquica.
Como un regero de pólvora, la noticia del nacimiento de Fluxus salta a Europa y Japón y muchos artistas encuentran en Fluxus una válvula para poder expresarse y crear. Incluso llegó a España (si, si ) y tuvo al músico Juan Hidalgo a su representante en el campo musical.
En esta antologia se encuentran trabajos de Hidalgo, Walter marchetti, La Monte Young, Ben Vautier, Wolf Vostell, Milan Knizak, Robert Filliou, Alison Knowles, Emmett Williams, John Cage, Joseph Beuys, Yoko Ono (si, ella), Dick Higginns, Phillip Corner, Eric Anderson, Robert Watts, Nam June Oaik y Ken Friedman. Exite también otro volumen con otros artistasm pero este no lo tengo. Será cuestión de buscar por internet.
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Me imagino el panorama. Ir a tocar al Hammersmith Odeon de Londres, en pleno 77. Ir pobre Jonathan debía estar alucinando viendo chavalines con los pelos de colores, cadenas e imperdibles. Aunque tampoco creo que nuestro pequeño héroe se sintiese demasiado fuera de lugar, el siempre ha sido un abanderado de la juventud como rasgo importante en el rock & roll y debió apostar de que este grupo de chavalines resucitaría el género. Lo que no creo que tuviese muy claro es como le afectaría a él y al bolo que tenían previsto hacer una noche de esas en la conocida sala londinense. No cabria duda, debió pensar Jonathan, que una vez más tendría que echar mano de su carisma, glamour y simpatía para tirar la cosa adelante. Además, con doble motivo, el disco iba a ser grabado para un futura edición en disco, así que habría que quedar muy bien, aunque esto a Jonathan siempre le ha traído al pairo, sabe que no está en esto para hacerse rico, Todo un riesgo, porque él, de simpatía y todo eso, lo que se quiera y más pero…y el público.
Pero, por esas cosas de las conjunciones astrales y el destino, no solo el bolo salió bien, sino que la grabación de este disco pasa, según mí humilde juicio, por ser unos de los mejores discos de rock & roll en vivo de toda la historia. Los que los han escuchado lo sabrán muy bien, pero para los inocentes que no lo hayan hecho les daré la sencilla formula: sencillez + honestidad = grandeza. Y con esta sencilla y compleja formula a la vez, uno ya se puede enfrentar a cualquier audiencia, que se pondrá el mundo por montera una y otra vez. Pero hay otro elemento muy importante, Jonathan tienen una llave especial y decidió utilizarla esa noche.
¿Y el público? Pues que queréis que os diga, supongo que para los afortunados que estuvieron allí, si existe un foro como esté en Inglaterra, deben contar sin cansarse mil y una veces que ellos estuvieron allí, que durante unos minutos fueron transportados en un pequeño avión, cuyo capitán era un pequeño y simpático insecto, hacia un Egipto con habitantes dueños de rastas coloreadas comiendo unos helados que vendía un relleno vendedor de helados que no paraba de silbar y cantar; que se dieron una vuelta bailando alrededor de la esfinge montados en un dinosaurio muy parecido al Dino de los Picapiedra y que entraron en el interior de las pirámides guiados por una preciosa chica nórdica llamada Kookenhaken (de la cual todos cayeron profundamente enamorados), una chica que no paraba de cantar preciosas canciones tradicionales sudamericanas y, que al legar al final del trayecto, aparecieron en Nueva Inglaterra, a esa hermosa tierra de brujas y jinetes sin cabezas. Y fue en ese preciso momento, cuando todo eso terminó, cuando todos supieron que estaban en el amanecer de sus vidas, de que eran más humanos que unos minutos antes, cuando entraron en la sala.
Y es cuando todos los que hemos visto o veremos a Jonathan en un escenario queremos que esa noche del 77 en Londres vuelva a pasar con nosotros allí, quizás en una noche de principios de Junio del próximo año en Barcelona. Que Jonathan vuelva a sacar la llave y nos lleve lejos, muy lejos; que nos ponga la piel de gallina por los restos. Lo necesitamos. Pero siempre es Jonathan quien tiene la llave, el nunca sabe si nosotros estamos dispuestos a este viaje. El siempre lo está…. El es eternamente joven.
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¿Vale de algo en esta vida ser considerada una de las mejores bandas de rock & roll de toda la historia pero que nunca se te haya valorado así por los medios (salvo tres o cuatro que lo han visto claro desde el principio) y, sobre todo, por el público de tu época (demasiado ocupado en romperse el coco en cosas más “transcendentes”)? ¿Vale de algo ostentar el título perversamente honorífico de “la banda maldita más famosa de todas”?. Supongo que no debe servir de mucho, o de nada a estas alturas del partido, y cuando ya ni la banda existe y quizás, por los devaneos de la historia reciente, poca gente se debe acordar de los Flamin Groovies, salvo los que vivieron su mismo momento o los que siguen amando el sonido de unas buenas guitarras, del buen power pop y disfrutar de algo que ahora está muy caro: unas buenas canciones.
Y de buenas canciones los Cyril Jordan, Roy Loney, George Alexander, Chris Wilson y todos los que pasaron por la nómina Grooovies sabían mucho. Lo suyo es el pop con mayúsculas, el pop que bebe de los orígenes primigenios del genero, pero lo hace sin ningún tipo de tapujo, vergüenza, apropiación, copia ni nada por el estilo. Primera época: deudora de los Rolling Stones y, sobre todo, del rhythm & blues; la segunda: Beatles y las armonías vocales a lo Byrds.
Pero los Groovies no sabían que, haciendo lo que les gustaba y lo que sabían hacer muy bien, fueron el punto de partida, el referente, de un montón de nuevos grupos que, tras la revolución del punk, decidieron que era tiempo de resucitar el pop, adaptarlo a los nuevos tiempos y darle un nuevo brillo. Así que los Groovies se convirtieron, queriéndolo o no, en los padres de la new wave más pop – rock. Sus viejos discos iban de mano en mano, todo el mundo hablaba de ellos y todo el mundo quería verlos encima de unas tablas. Todos sabíamos que Jordan era un genio pero, como todos los genios, un tipo a echar de comer aparte, que era muy complicado aguantarlo y que los Groovies aguantaban vete tu a saber porque. Pero el / ellos se resistían a lanzar la toalla, pensaban que su momento había llegado y que, por fin, se haría justicia con ellos. Pero como que no, siempre la mala suerte innata a los Groovies volvió a hacer la puñeta. Los grupos que los reverenciaban pronto se volvieron más conservadores, otras modas salieron a la palestra y los jóvenes se enamoraron de otros cantos de sirena. Demasiado para los Groovies, otra vez a un paso de la fama y el reconocimiento pero seguía faltando ese paso.
En fin. Pero no nos dejemos vencer por toda esta historia de derrota. Al fin y al cabo, a quienes nos gusta el rock & roll hemos de estar ya curados de espanto, es lo habitual.
Por ello nos seguimos aferrando a la iconografía de los Groovies, a sus canciones con estribillos que se instalan en nuestra memoria de una forma indeleble. Y uno ya puede escuchar miles de cosas distintas, buscando algo que le motive, explorando nuevos territorios sónicos, pero cuando el menda necesita vitalidad sé donde buscarla. Estos tipos siempre me satisfacen y me cargan las baterías.
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No era ningún mozalbete cuando, creo que un sábado por la mañana, me compré un vinilo que contenía unas 10 canciones de The Ronettes. Era una colección que una editorial de libros había sacado para ilustrar de forma sonora una colección de fascículos sobre la historia de rock. Había escuchado alguna clásica del grupo, pero tenia muchas ganas de escuchar más. El disco era muy barato, así que para el saco.
Lo devoré en un día. Fue como si una energía saliese del vinilo y entrase en mí de una manera automática. Cuando me deshice del plato y los vinilos, no pude volver a escucharlas (si en mi cabeza) hasta que un día, al cabo de muchísimos años, encontré un compilatorio de 18 canciones en formato cd.
He de confesar que cada vez que las escuchó, no solo la pile se me pone de gallina, se me humedecen los ojos. ¿Por qué? No lo se seguro, pero creo que estas canciones me recuerdan a mi adolescencia. A todas esas sensaciones, imágenes, olores, palabras y sentimientos que todos hemos tenido durante esa hermosa / trágica época de nuestras vidas, la edad en que el mundo nos pertenece por derecho, la edad en que, como decía Paraíso: no soportamos ningún rollo horrible. La edad donde todo es bello y triste a la vez, donde una palabra sola puede convertirnos en indestructible o en los seres más amargados del planeta; la edad en que una rozadura de manos o de labios es lo más grande que has sentido en tu vida; la edad donde una contrariedad nos hace estar a un paso del suicidio; la edad donde no paramos de descubrirnos a nosotros mismos y donde los amigos son para siempre; la edad donde andar y cantar bajo la lluvia es lo normal y no entiendes a los que corren para resguardarse de ella; la edad donde ves que nadie te comprende y en la piensas que nadie ha sido como tú; la edad donde todo te parece injusto y quieres luchar para conseguir un mundo, a tu parecer, justo; la edad donde las noches no terminan y donde tu habitación es un universo en si mismo; la edad donde cualquier viaje en bus es te hacer sentir como un Ulises en busca de Ítaca; la edad donde cada risa es un tesoro y cada llanto una daga; la edad donde suenan campanas por la calle y solo las oyes tú, porque solo tocan para ti.
Y, claro está, también pienso en los jóvenes de ahora y, por que no decirlo, les tengo envidia. Envidia porque ellos sienten estas cosas anteriormente citadas y yo ya no. Que todo lo que has vivido es pasado mientras que ellos tienen el futuro por delante. Ya se que a mi me queda cuerda por delante, pero no es la misma cuerda suya. Que estoy cargado de prejuicios y estupideces mientras que ellos sienten que el mundo, como una prostituta de alto standing, les abre sus piernas mostrando el mismo tesoro que se nos mostró a nosotros hace años. Y yo, que lo se, quiero ese mismo tesoro, pero sé que es inalcanzable ya. Se que, ahora mismo, no oigo esas campanas, pero veo en sus caras como si las oyen, veo sus ojos como me preguntan porque corro a resguardarme de la lluvia y, lo más terrible: ahora se que Ítaca existe, pero es una puta mierda.
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Yo tengo este disco, sí señor. Frosty the snowman es una de los mejores villancicos de la historia. He dicho.
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¿Hay algo más bonito que cantarle al amor? Si, cantarle al desamor. No lo neguemos, hay gente que se enamora para luego disfrutar de esa sensación que es el desamor. Llamémoslos masocas, pero no cabe duda de que algunas de las mejores canciones se han escrito hablando, describiendo o padeciendo este estado emocional.
Hay de todo: furia, cabreo, autocompasión, desprecio, desden y todo un amplio abanico de posibilidades. Tantas como humanos que se enamoran y luego se desamoran. Es la vieja historia. Pero es que las canciones sobre el desamor son tan, digamos, especiales, que las hacen distintas a las canciones sobre el amor, ese estado de perenne tontería al que todos nos gustaría estar permanentemente inmersos.
Pero lo de Bacharach & David era ya el no va más. No solo se trataba de hablar sobre el tema, sino de crear auténticas perlas pop para que la cosa perdurara en el tiempo. Y lo consiguieron, vaya que si. Aunque fuera a costa de sufrir personalmente los avatares del amor, ese bicho invisible que te carcome y luego te debilita.
Y lo que el dúo se proponía lo querían mostrar de la forma más cálida posible, no de una manera discreta, con una vocecita y punto. No, había que mostrar bien a las claras que el amor es grande y asqueroso, bello y áspero, soberbio y capaz de lo más bajo. Se necesita de una voz que lance los textos a lo más profundo del corazón y que hunda el estilete hasta las células. No importa que uno no entienda el inglés, sabe perfectamente lo que Warwick dice, porque como todo hijo de vecino lo ha vivido en sus carnes. Cada susurro, cada exclamación es la misma que todos hecho cuando el desamor se ha apoderado de nosotros y nos deja hechos una puñetera piltrafa.
Y aunque Bacharach, David & Warwick te disfrazan el discurso de amables canciones de formato pop, tu sabes perfectamente que estos tres lo que pretendían era mostrar sombras y sufrimiento. Canciones en las que te gritas a ti mismo que vas ha hacer contigo mismo, canciones en las cuales te preguntas porque has hecho o no has hecho esto o lo otro, canciones en las que un mismo se conjura en no volver a caer en los brazos del amor nunca más (no te lo crees ni borracho), en las que rezas para que no ocurra lo inevitable o n las que suplicas que no te dejen.
La vida, tal como es. Nada más y nada menos.
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No tengo muchas ganas de escribir, porque me leo de antemano y me veo soltando una sandez tras otra. Solo decir que es un disco que me revuelve las entrañas, que me la pone dura desde el principio ('Futter Mein Ego') y que termina dándome náuseas ('Das Schaben'). Una jodida obra de arte
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No es ninguna casualidad que hable de Costello después de Buró Bacharach, Hal David y Dionne Warwick. Costello no solo siempre se ha considerado fan del trío maravillas, sino que su música siempre ha ido ligada a los patrones impuestos, sobre todo, por David: el amor y las relaciones humanas como punto principal de debate. Y para eso Costello siempre ha tenido una mano especial con las letras. Y es que no tienen ningún tipo de sentido hablar de esto con palabras tópicas, ñoñas o vacías de contenido. Se ha hablado y cantado tanto sobre ello que lo único que puede hacer que se salga de lo habitual es hablar desde el prisma personal e intransferible. Eso hace que una canción que en teoría puede resultar pueril se transforme en algo único. Y los 4 primeros discos de Elvis Costello están llenos de esas reflexiones personales sobre distintos puntos de la condición humana.
Pero, como Bacharach / David, Costello y los Attractions (y también otros muchos) sabían que estos textos, ideas y reflexiones habían que adornarlos con las melodías precisas. Y aquí interviene le espíritu pop, el que esta idea no tenga que rebasar un cierto minutaje, que la idea se exprese de una forma directa y concisa, que no tenga más disfraz que el necesario, que un arreglo o una armonía de más puede destrozar lo que uno intenta crear. Por eso el pop es tan complejo y difícil y muy poca gente lo sepa hacer ahora: nos vamos por los cerros de Úbeda y queremos demostrar que, a notas, no nos gana de Mozart. Por eso, Este disco es una auténtica obra pop con todas sus consecuencias: 20 canciones cortas que dan para dar justo en la diana propuesta, sin ningún tipo de pérdida de tiempo y energía. 20 singles directos al número 1 de cualquier playlist personal, canciones inolvidables que hacen que uno sienta lo que Costello pide en su título: se feliz.
Get Happy es, no el último gran disco de Costello ya que Trust también lo es (pero quizás y este es un juicio personal) el testamento pop costelliano en toda regla, al menos del Costello que a mi me gusta, no el actual, demasiado ocupado en ofrecer una imagen de seriedad y respectabilidad que me importa más bien poco. Mi Costello es el de canciones como Allison o Oliver’s Army; el Costello de las gafas y la americana ajustada; el Costello de los pelos en punta y verborrea imparable. Gran tipo este. Uno de los últimos compositores pop con todas las letras.
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Siempre he pensado que en este foro se habla poco de PJ Harvey, autora de algunos de los mejores discos que he escuchado, y es que para mi, TODOS SUS DISCOS SON GRANDES, incluso su menos apreciado y más suave "Stories From The City, Stories From The Sea".
Si tengo que escojer entre toda su discografía me quedo con el "Is This Desire?" y el disco con John Parish, "Dance Hall At Louse Point", pero como ya he dicho, todos sus discos me ponen la piel de gallina. Escuchando The Sky Lit Up, The Garden, y No Girl So Sweet en el tren, me dan escalofríos. Su voz es inconfusible e impresionante, y su estilo bruto pero a la vez sexy me pone, je.
Aún y adorarla a ella y a su música, he de reconocer que en el PS04 me decepcionó un poco, sobretodo por el deficiente sonido en las primeras filas, pero por suerte he podido verla en otras ocasiones, y he babeado como el que más.
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Para auténtica piel de gallina, pero de puro terror, el 4-track demos. ¡Es la reina!
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@Ashes:
Para auténtica piel de gallina, pero de puro terror, el 4-track demos. ¡Es la reina!
PJ es la puta ama del negocio…
"Little fish, big fish swimming in a ball..."
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4-Track Demos y Rid Of Me…. lo mejor que ha hecho nunca... y el Stories From the City...
Es muy grande esta mujer, sí...
Por cierto, van 700 mensajes
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@poppie:21l6q8zn:
@Ashes:
Para auténtica piel de gallina, pero de puro terror, el 4-track demos. ¡Es la reina!
PJ es la puta ama del negocio…
"Little fish, big fish swimming in a ball..."
…no es "swimming in the WATER?!?
Little fish. big fish. Swimming in the water.
Come back here, man. gimme my daughter.
Little fish. big fish. Swimming in the water.
Come back here, man. gimme my daughter.
Little fish. big fish. Swimming in the water.
Come back here, man. gimme my daughter ….… y que grande cuando en medio de la canción ,en el Primavera, le entró la risa ...
